Работы современных известных художников

Арт-группа «МишМаш» - творческий и супружеский дуэт, возникший в 1999 году и состоящий из Маши Сумниной (1977) и Миши Лейкина (1968), Миша и Маша работают вместе с 1999 года. Дуэт выступает с художественными, архитектурными и дизайнерскими проектами, исследует пластические возможности хаоса и порядка, создает полуабстрактные образы неконтролируемого и микроскопического с помощью различных медиумов. Искусство МишМаш отличает лиризм и ирония.

Работы «МишМаш» находятся в коллекциях ГТГ, ГЦСИ, ММСИ, МАММ, МОК, Фонда В. Смирнова, Газпрома, Terna, Надежды Агишевой.

1999, год создания арт-группы

Образование

1994 - Миша Лейкин окончил МАрхИ
2001 - Маша Сумнина окончила Полиграфический институт

Премии, награды

2018 - первое место на конкурсе паблик-арта для «Сколково» с проектом «АрхитекТроны»
2018- Лауреаты Третьяковской премии (вместе с Ольгой Петруненко)
2019 - МишМаш - художник года Cosmoscow 2019
2017- первое место на конкурсе паблик-арта фестиваля «Политех» в Парке Горького с проектом «Тренажер для развития маховых мышц крыла»2007 видеопроект «Телешум» номинирован на Премию Кандинского2016 - проект «Протезы и замещения» входит в лонг-лист Премии Кандинского
2015 - проект «Спа-театр старения» входит в лонг-лист Премии Кандинского
2014 - проект «Огляназ» входит в лонг-лист Премии Кандинского2013 - лауреаты премии Terna Prize (Италия) за панно «Будь мягче, будь тверже»
2011- входят в шорт-лист премии «Инновация» с инсталляцией «Геопсихоизометрическая экспертиза города Екатеринбурга»; Центр современной культуры «Гараж» представляет перформанс «Объем желаний и различные типы пустоты» на ярмарке ARCOmadrid
2007- видеопроект «Телешум» номинирован на Премию Кандинского
2003 – лауреаты Конкурса на Мемориал жителям штата Нью-Джерси погибшим погибшим 11 сентября 2001 года, США

Настя Кузьмина – современный художник, работающий преимущественно с медиа - видео, перформансом, а также видео-инсталляцией. В фокусе интереса автора - ускользающая проблематика актуального момента, ткань и динамичность современной повседневности, трансформация памяти в эпоху пост-информационного общества, а также тема неуемного потребления в позднем современном обществе.

Настя Кузьмина родилась в г. Ульяновск. В 2014 году окончила Московскую школу фотографии и мультимедиа им. А. Родченко (мастерская Сергея Браткова). В 2016 году участвовала в образовательной программе лаборатории современного танца и перформанса «СОТА@Garage». Участница и организатор выставочного проекта «Опытное поле». Автор серии перформансов «Пропасть». Среди ее персональных выставок: Двойной зажим (галерея Электрозавод, 2019), Твинариум (ЦТИ Фабрика, 2018), Поисковик Малик (музей им. В. Сидура, 2017), Полеты во сне и наяву (Манеж, 2015), В новый год (галерея Люда, 2014).

Участница многочисленных выставок, таких как «Вася, вставай» (Санкт-Петербург,
Москва, Уфа, Барнаул, Ростов-на-Дону, Нижний Новгород, Красноярск, Екатеринбург,
2018), «Чувственные опыты» (Новая Голландия, 2016), «Свежая кровь» (Винзавод, 2016),
«Большие Надежды» (Манеж, 2014), «Не музей. *Лаборатория эстетических подозрений» (Санкт-Петербург, 2014), Стратегический проект III Московской Биеннале
Молодого искусства ( Москва, 2012). В 2013 году вошла в лонг-лист премии Кандинского в
номинации «Молодой художник». Победительница грантовой программы Музея
“Гараж”(2014-2015), лауреат премии Credit Suisse Cosmoscow для молодых художников
(2016). Участница резиденции мастерские музея "Гараж" (2019), номинантка премии Инновация (2019).

Активный российский художник, работающий в разных областях искусства таких как видео-арт, скульптура, инсталляция. Но основной ее специализацией является реалистичная темперная живопись. За 12 лет активной выставочной деятельности она участвовала более, чем в 30 персональных и групповых выставках. Ее проекты выходят за рамки исключительно художественных выставок, представляя собой, кроме того, культурно-технико-исторические исследования.

Образование
Школа-студия эстрады, кино и телевидения. Москва, Россия
Всероссийский государственный университет кинематографии имени С.А. Герасимова. Москва, Россия

Участник
2022 - VI Международный фестиваль кино, науки и современного искусства «Гагарин.doc». Саратов, Россия
2018 - VI Московская Международная Биеннале Молодого Искусства. Москва, Россия

Награды, премии
2023 - Номинант 4-ой Московской Арт-премии

Свой художественный язык Наташа Тарр выстраивает на основе наблюдений за общественными ритуалами и работает, в первую очередь, с темой социального, памяти и времени. Так, для своей первой персональной выставки, состоявшейся в прошлом году на площадке «СТАРТ» (тогда художница выступала под фамилией Кучумова), Наташа Тарр представила свои размышления на тему письменности. По ее мнению, в тот момент, когда человек впервые решил запечатлеть устную речь в письменной форме, и состоялась самая древняя кража. Человек сам выкрал у себя важнейшую способность, отличающую нас от остального животного мира, – возможность говорить, предав ее крайне ненадежному носителю, заранее обреченному на неспособность остаться в вечности.
В серии работ "The only nice things" Наташа Тарр изучает потребность человека в декорировании повседневного быта и лакировке окружающей его реальности, иронически размышляет над консюмеризмом современного общества, потерей человеком самостоятельности мышления и отношением "предмет роскоши – социальный статус".

Никита Алексеев родился в 1953 году в Москве. С 1964 по 1967 года учился в Московской средней художественной школе при МГХИ им. В. И. Сурикова. По окончании учился в Московском областном художественном училище Памяти 1905 года на отделении промышленной графики и рекламы до 1972 года. Помимо изобразительного искусства, одним из увлечений Алексеева были книги: и как объект художественной деятельности, и с точки зрения литературного содержания. С конца 1960-х годов он состоял в кругу молодых московских поэтов вместе с Андреем Монастырским, Николаем Панитковым и Львом Рубинштейном, работая над собственными поэтическими произведениями, которые художник поэт не раз оглашал на «подпольных» чтениях.
С 1973 по 1976 года учился в Московском полиграфическом институте на факультете художественно-технического оформления печатной продукции, не доучившись последний курс: интересы Алексеева перестали совпадать с академическими дисциплинами. Во время обучения он начинает интересоваться неофициальным, новым искусством художников «Сретенского бульвара», одними из важнейших представителей которого были Илья Кабаков и Иван Чуйков: автор исследует процессы формотворчества, выделяя текст как самоценный художественный элемент.
В 1973 году Алексеев создает серию «Поэзия вещей»: раскрашенные объекты из оргалита выступали как «подобие» реальных бытовых вещей, продолжая мотивы творчества Р. Магритта. Однако Алексеева интересовал не столько силуэт предмета, но полное его физическое воплощение, имитация ощущения «присутствия». Свое ранее творчество сам художник называл «абстракцией сюрреалистического толка», влияние на которое оказали не только искусство Магритта, но и Андрея Монастырского (к этому времени Монастырский приступил к созданию различных объектов).
В 1976 году Никита Алексеев стал участником группы «Коллективные действия» во главе с Андреем Монастырским –одной из ключевых групп московского концептуализма.
Деятельность КД была отлична своими акциями и перформансами, «поездками за город» (термин А. Монастырского) - акционным жанром с исследованием процесса различных этапов пути к месту назначения. Помимо участия в коллективном творчестве группы, Алексеев проводит собственные акции: сценарная жесткость и упорядоченность акций КД сменялась на пространство для импровизации, спонтанности.
К началу 1980-х годов Никита Алексеев становится одним из ключевых представителей московского концептуализма. В качестве персонажа он появляется в инсталляции Ильи Кабакова «Нома, или московский концептуальный круг», посвященной «основателем» московского романтического концептуализма 1970-1980-х годов. В это же время Алексеев постепенно отходит от творческой деятельности КД в пользу разработки нового
художественного языка на основе практик концептуализма. В 1982 году он основал галерею «Аптарт» в своей квартире: небольшая однушка впоследствии стала сосредоточением нового направления «подпольного» искусства. Отойдя от метафизики, философствования, строгости и структурности устоявшегося концептуалистского круга близ Ильи Кабакова и Андрея Монастырского, Никита Алексеев и его единомышленники создавали уже более спонтанное, витальное, порой агрессивное искусство.
Некоторое время Алексеев работал преимущественно с графикой (помимо объектов и живописи). Однако, пластический язык художника непрерывно трансформировался в поисках новых путей самовыражения: Никита Алексеев работал в живописи с рельефными поверхностями, используя различные фактурные материалы; придумал совместно с Гундлахом способ закрашивая больших поверхностей - «тусовку» (наложение широких и коротких мазков крест-накрест); с середины 1980-х начал использовать столовую клеенку вместо холста, что позволило художнику создавать крупноформатные работы до 4 метров
в длину.
В 1987 году Никита Алексеев эмигрирует во Францию, где помимо живописи на клеенках работает над «самиздатом». Излюбленными материалами художника постепенно становятся тушь, перо, цветной и графитный карандаши; автор создает графические листы, объекты в жанре «книга художника», альбомы-комиксы, исследуя взаимодействие изображения и текста.
В 1993 году Алексеев возвращается в Москву, где работает также в качестве куратора и автора статей об искусстве. В 2000 году начал создавать серию «Предсмертные рисунки»: каждый день автор работал над одним монохромным графическим листом, воспринимая его как последний. Алексеев создал более 1000 таких работ. В 2004 году художник получил грант Фонда Иосифа Бродского и Американской академии в Риме; в 2009 году был номинирован на государственную премию в области современного искусства «Инновация», а в 2010 –на премию Кандинского.
Художник живил и работал в Москве. В марте 2021 года скончался после продолжительной болезни.

Николай Андриевич родился в 1944 году в Москве. С 1963 по 1965 года учился в Московском полиграфическом институте. С середины 1970-х годов становится участником различных групповых проектов художников неофициального круга, среди них: выставка произведений московских художников в павильоне «Дом культуры» на ВДНХ (1975), знаковая 1-ая выставка секции живописи Горкома графиков (1977) и другие. В 1976 году начал работать в Мастерской рекламно-прикладной графики («Промграфика»), где в 1983 году прошла первая персональная выставка Андриевича. Последующие персональные и групповые проекты художника проходили на таких площадках как: Центральный дом художника, Фонд Сороса (Фонд «Открытое общество»), ЦВЗ «Манеж», Albertina Museum (Вена, Австрия) и другие.
Николай Анриевич относится к поколению художников-семидесятников; прежде всего известен графическими работами. Становление творческого метода автора оказалось вне четкого разделения на «официальную» и «неофициальную» культуру - Николай Андриевич стал частью каждой из них, выработав свой изобразительный язык. Через первые абстрактные работы начала 1980-х годов, эксперименты с цветом в конце 1980-х Николай Андриевич пришел к узнаваемой манере с бесконечным воспроизведением, тиражированием простых объектов (коробок, ящиков, пуговиц и др.). Логика поп-арта с бесконечным повторением предметов быта перетекает в абсурдистскую модель, формируя свои самобытные ритм, композицию, цвет, орнамент.

Николай Домашенко -  советский и российский художник, график, гравёр, специализируется в экслибрисе и книжной иллюстрации. Заслуженный художник Российской Федерации (2019). Домашенко родился в 1946 г. в Иркутске. Окончил художественно-педагогическое отделение Иркутского училища искусств. С 1966 года Николай Иванович являлся участником областных, региональных, республиканских, всесоюзных и международных выставок.
В 1967 году Николай Иванович закончил Иркутское художественное училище под руководством М. Д. Воронько. В качестве дипломной работы были представлены иллюстрации к «Сказке о военной тайне, о Мальчише-Кибальчише и его твёрдом слове» А. П. Гайдара. Автор выбрал новое художественное решение — технику прорезной аппликации, которая позволяет создавать лаконичные, строгие стилизованные образы. Было ограничено число использованных цветов: белый тон листа, мрачно-черный и взволнованно-красный — в изображениях. Такой подход представлялся вполне соответствующим духу времени, поскольку в 1960-е годы советская иллюстрация переживала новый этап развития, связанный с отказом от подробной повествовательности, с осознанием особенностей языка книжной графики, его условности и декоративности.
В это же время он женился и через год поехал в Подмосковье, где шла подготовка к выставке «Графика Сибири». В 1969 году на выставке Союза художников СССР появилась первая серия его работ в печатной технике — «Декабристы». Эти работы выполнены в технике «цветная автолитография». Одно из собраний работ, посвященных декабристам, называется «Вне разряда» и посвящено пятерым повешенным декабристам. В серию входят портреты Сергея Муравьева-Апостола, Петра Каховского, Михаила Бестужева-Рюмина, Кондратия Рылеева, Павла Пестеля. Интересна техника, в которой выполнены эти работы — «сухая игла». Другой блок графических работ посвящен восстанию декабристов. Николай Домашенко одним из первых начал использовать цвет в своих работах.
В 1971 году удостоен премии Иркутского обкома ВЛКСМ имени Иосифа Уткина, присуждавшейся за творческие заслуги. В 1973 году Николай Иванович с семьей переехал в Новосибирск, работал там, выполняя индивидуальные творческие заказы.
В 1983 году Николай Иванович переехал в Лениград, работал в Союзе художников, в экспериментальной мастерской, в детской художественной школе «Александрино» преподавателем рисунка. В 1998 году художник вместе с друзьями-художниками И. Л. Черновой-Дяткиной, К. О. Почтенной, А. А. Гавричковым и другими организовали творческую группу «10 тихих». Для этой группы характерно стремление избегать шумных пиар-кампаний, суеты, коммерциализации труда художника. Девизом группы стало латинское изречение «Ab ovo». Выставки: 1998 — «Десять тихих» (Музей городской скульптуры); 1999 — «10+» (ВЗ «Невограф»); 2000 — «Тихая музыка» (Государственная академическая капелла); 2001 — «Прогулки к Пушкину» (Всероссийский музей А. С. Пушкина; помимо произведений членов группы посмертно экспонировались работы Л. Сергеевой).
С 1988 по 1996 г. состоял в объединении художников печатной графики им. Н. А. Тырсы.
Отдельную грань творчества Н. И. Домашенко составляют экслибрисы. Эти миниатюры представляют собой сюжетные экслибрисы, получившие наибольшую популярность в XX веке. Их основная особенность — рисунок, лаконично и образно отражающий интересы, профессию владельца библиотеки или её состав. Автор обращается к разным техникам для наилучшего воплощения своего замысла: это и сухая игла, и офорт, и резцовая гравюра, и гравюра бором; нередко они дорабатываются акварелью, придающей оттискам законченность и красочную неповторимость. Иногда колористическая гамма основана на гармонии сближенных или дополнительных цветов, иногда она ограничивается скупой по количеству оттенков и яркости подцветкой[9]. Николай Домашенко постоянный участник Всероссийского конгресса экслибриса.
Работает в станковой и книжной графике в различных техниках: офорт, резцовая гравюра, сухая игла, литография. Основные работы: «Декабристы» (1969) «Трагедии декабря» (1973), «Хлеб Сибири» (1979), иллюстративное оформление произведений Н. В. Гоголя — «Вий», «Пропавшая грамота», «Ночь перед рождеством» (1971—1997), «Петербургские повести» (2002), «Каменный гость» А. С. Пушкина (1999), «Гадкие Лебеди» братьев Стругацких (2000) и «Повесть о Ходже Насреддине» Леонида Соловьёва (2005). Гравюрам Н. Домашенко присущи романтическая приподнятость, совершенство формы, изысканность рисунка.
С 2009 года Николай Домашенко сотрудничает с редакцией иркутского детского литературно-художественного журнала «Сибирячок» — ведёт рубрику «К 200-летию Отечественной войны 1812 года».

Николай Иванович Касаткин – известный современный автор, один из художников, переосмысливающих в новом контексте традиционные формы отечественной живописи, а точнее – реалистическое направление в русском искусстве. Эта линия получила наименование «радикального реализма» (В.Пацюков). Основной жанр, в котором он работает – «концептуальный пейзаж». В формах от натурного этюда до «программной» картины он свободно комбинирует мотивы, восходящие к традиции передвижников, и собственные пространственные идеи.

По словам Кирилла Светлякова, заведующего Отделом новейших течений Третьяковской галереи, натурное впечатление, переживание действительности всегда являются для Касаткина первым импульсом к творчеству. Вместе с тем сложносоставная художественная реальность его произведений многослойна и подразумевает сосуществование разных миров и пространств. Работы художника находятся в коллекции Государственной Третьяковской галереи, Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, а также в частных коллекциях в России и за рубежом.

Оксана Кондратенко — современная литовская художница, родилась в 1972 году в Литве.
Основное художественное направление – письмо на фарфоре методом глазури и многократным обжигом при высоких температурах надглазурными красками и золотом. Она использует много декоративных элементов, так как ценит эстетический аспект живописи. В своих работах на бумаге художница сочетает различные техники, в том числе спиртовые маркеры, карандаши, ручки, линер и финишный лак.

Автор живет и работает в Санкт-Петербурге, Россия.

Олег Ланг, выпускник Суриковского института, сумел выработать уникальную творческую манеру. Он получил признание яркого живописца еще в 1980-х годах. Его путь художника крайне индивидуален, хотя и может вызывать определенные ассоциации — то с «окультуренным» примитивизмом, то с брутальностью и отвязностью «новых диких». Ланг понимает живопись как универсальный язык, не утративший актуальности и до сих пор остающийся действенным. При помощи этого языка художник, как и в былые времена, способен передать все что угодно: от личных переживаний и детских воспоминаний до поворотов всемирной истории, от беспредметных импровизаций до пересмотра канонических мотивов классического искусства.

Неповторимость пластического хода — вот главное условие, на основе которого Ланг создает все свои композиции — от крошечных, площадью в несколько десятков квадратных сантиметров, до десятиметровых. Его развитие никогда не останавливается, но при этом не является эволюцией, поступательным движением «к лучшему». Это движение не имеет цели, как жизнь языка, как течение самого искусства. Живопись для Ланга — это «прямая речь» художника, интонации которой могут бесконечно варьироваться, но суть едина, и она заключена в соединении разговора о человеческой и художественной свободе