Работы современных известных художников

Павла Маркова родилась в 1989 году в Омске.

Получила средне-профессиональное образование по специальности «Фотограф, видеооператор». Персональные выставки проходили в Санкт-Петербурге — в галерее при печатной студии Александры Гарт («Котлован», 2015), лаборадории «Интимное место» («НЕ БОЙС», 2015), ДК Розы («Отходы производства», 2018), и Омске — в галерее «Левая нога» («МК БН», 2016; «Осколки», 2018).

В своем творчестве работает с различными образами и темами. Ее волнует всеобщая неопределенность и шаткий баланс сил в природе, карго-культ, природа и мир без человека, эмоциональные процессы, ритуальное производство, взаимосвязь труда и творчества, гонзо-документальность и дух местности. В художественной практике задействует графику, живопись, видео, фото, объекты и реди-мейды.

Сама художница о тематике своего творчества говорит так: «Мне интересна тематика пограничного: переходы из одного состояния в другое, пребывание на грани какого-то межсезонья, различные мистификации, вроде раскадровок к фильму, который никогда не был снят или был утерян, что-то такое, чьи следы обрываются и оно не имеет дороги дальше».

Художница участвовала в ряде групповых проектов. Среди них — «Хорошо. Новое искусство Омска» (галерея «Люда», Санкт-Петербург, 2014), «Тексты» (галерея «Левая нога», Омск, 2016), «Про труд» (галерея «Егорка», Санкт-Петербург, 2018), «Шапка. Камерная стерео-опера о петербургском искусстве» (Дом-музей Ф. И. Шаляпина, Санкт-Петербург, 2019), Триеннале российского современного искусства (Музей современного искусства «Гараж», Москва, 2020).
Живет и работает в Омске.

Паша Бумажный родился в Ленинграде в 1984 году.
В 1989 году окончил художественную школу "Светофор".
Как говорит о себе Павел, он скромный молодой художник тридцати шести лет, с грустными а иногда и злыми глазами, скрытным характером, носит чужую одежду, отжимается вверх ногами.
Павел - художник, рисующий сердцем, неразборчивым почерком и с ошибками, но разобравшись в его письме, в подарок вы получите парочку новых нейронных соединений.

Петр Быстров родился 4 ноября 1980 года в Москве. В 2002 году окончил философский факультет Российского государственного гуманитарного университета. С 2005 по 2006 года был профессором Новой Академии изящных искусств в Милане.
С 1999 по 2008 года был участником группы художников и активистов «Общество Радек», явившейся продолжением деятельности учеников Школы современного искусства Авдея Тер-Оганьяна - одного из ключевых представителей московского акционизма.
В 2007 году Петр Быстров совместно с Алексеем Булдаковым стал финалистом премии Кандинского в номинации «Медиа арт».  Работа художников «Вечеринка без трусов» подводила итоги десятилетия участия в группе «Общество Радек» , продемонстрировал документальный материал перформансов и выставок.
В 2008 году Быстров стал финалистом премии государственной «Инновация» в номинации «Молодой художник». С 2012 года является членом Творческого Союза художников России. В 2017 году выступил куратором программы перформансов фестиваля «Форма» в ЦСИ «Винзавод».
После работы с перформансами и видео-артом в конце 2000-х годов Петр Быстров, в сочетании фанеры и строительных скоб, создал авторскую «графическую» технику - «скобогравюра»; в последствии среди произведений Быстрова можно встретить и «скрепогравюру», «тросогравюру».
Художник использует различные в априори нехудожественные материалы (проволка, шлифовальная бумага, мех, кабель) и конструирует различные социальные типажи (например, в сериях «Московские типы» и «Энциклопедия московских типов»); изображает культовых персонажей из поп-культуры (Карл Лагерфельд, Джон Леннон), исторических периодов и событий (Юрий Гагарин), литературы и народного творчества (Владимир Маяковский, Илья Муромец). Нестандартные, неклассические материалы в итоге очерчивают привычные, узнаваемые, отчасти «классические» образы; Петр Быстро создает уникальную ассоциативную игру, основанную на культурной (коллективной) памяти.

Петр Швецов родился в 1970 году в Ленинграде. Окончил Среднюю художественную школу при Академии художеств, после чего отправился осваивать европейский художественный опыт. В начале 1990-х годов Швецову довелось поработать в Англии и Дании, в 2004-2005 годах — в Финляндии, нередко он посещал и США. Стоит заметить, что интернациональная творческая деятельность положительно повлияла на его талант. Сегодня Петр Швецов — один из наиболее часто упоминаемых за границей петербургских художников.
Он стал известен как откровенно эпатажными выставочными проектами «Ящик Пандоры» с живыми мухами в коконе, «Живое и мертвое» с траченным молью и облитым силиконом чучелом лисы, так и выставками тонких живописных серий «Болото» или создаваемой в течение тринадцати лет «Головой архитектора». Швецов с одинаковым остроумием и выразительностью исполняет смелые проекты в духе модных течений и обращается к традиционной живописной технике, забывая о мастерстве графика, шокируя гротескными фигурами персонажей своих произведений, и снова возвращаясь к чистым линиям в следующих работах. Но всякий раз за игрой со смыслами и формой внимательный зритель может рассмотреть сформировавшийся в длительном процессе поиска неповторимый стиль художника.

Исходя из опыта предыдущих лет, искусство всегда ценилось и являлось прекрасным подарком. Ведь искусство - это одна сплошная эмоция, полёт фантазии, а какой подарок может быть лучше? Выбирая в качестве подарка предмет искусства, вы дарите впечатление, которое, конечно же, бесценно. Подобным жестом вы даёте понять человеку, что он очень значим для вас и что вы готовы поделиться с ним даже самым сокровенным, что у вас есть - своей душой, своей первобытной эмоцией, которую вы испытали, увидев полюбившуюся вам картину.

Конечно, есть определенный набор факторов, по которым можно выбирать подарок:
женщине, к примеру, принято дарить цветочные пейзажи, мужчинам - интерьерные, часто строгие сюжеты. Мы же считаем, что подобные разделения уже давно неуместны в современном мире. Вспомните, какие у вашего знакомого предпочтения: может, он давно мечтает о виде на природу, а из его окна как всегда кипит хаос мегаполиса? Тогда вы можете подарить ему вид на безмятежное море, тонко прописанное нашими пейзажистами, и мы уверены, он будет радовать его каждый день!

Конечно, не стоит забывать и о том, что произведение искусства - это не только хороший подарок для души, но и прекрасное вложение в будущее. На нашем сайте представлены авторы, которые уже признаны современной арт-сценой, поэтому цены на них неизменно растут. Наши эксперты обязательно проконсультируют вас и помогут с выбором.

Роман Манихин родился в 1977 году в Москве. В 2008 окончил МГХПУ им. С.Г. Строганова, факультет коммуникативного дизайна. Занимается живописью, печатной графикой, объёмными инсталляциями. В 2011 был принят в МОСХ в секцию плаката. С 2013 является преподавателем учебного проекта Campus Дмитрия Барбанеля. С 2005 года занимается журнальной иллюстрацией, сотрудничая с крупными издательскими домами. Одной из выраженных линий в творчестве художника является женская сексуальность. Художник часто затрагивает маргинальные проявления сексуальности, вскрывая широту и вариативность темы, а также иронизирует над фетишизацией секса, опираясь на фрейдисткий символизм
Работы художника находятся в музее Art4 и в частных коллекциях России, Италии, Турции, Дании и США

Роман Мураткин, он же Ремо, — художник из города Серпухова — впервые увидел рисунки на зданиях в возрасте тринадцати лет. Спустя четыре года он создал свою первую работу на улице. В списке его кумиров тогда значились граффити-райтеры: Dare, Mr. Totem и Daim. Роман получил художественное образование по специальности «декоративно-прикладное искусство» и постоянно находится в творческом поиске: обращается к темам царского и советского прошлого, смешивает графику и акварель, создает скульптуры и инсталляции.

Ростислав Лебедев – известный современный художник, активный участник неофициального искусства в советское время, один из основателей направления «соц-арт». В своих работах он одним из первых в отечественном искусстве использует приемы, которые впоследствии станут расхожими штампами постмодернизма: цитаты из
классических произведений, их ироничное комбинирование, тематизация четко очерченных дискурсивных практик – политической, фрейдистской с агрессивным сексуальным подтекстом, постколониальной. Одним из первых Лебедев вводит в своих произведениях рефлексивные отсылки к художественной практике своих современников и соотечественников.
Лебедев родился в Москве в 1946 году. Он окончил Московский государственный педагогический институт (художественно-графический факультет) в 1969 году. На рубеже 1970-х годов вошел в круг художников, впоследствии известный как «группа улицы Рогова» – по местоположению мастерской одного из них, Бориса Орлова (в число
художников группы входили также Дмитрий А. Пригов, Игорь Шелковский и другие). В атмосфере нескольких творческих мастерских и квартирных показов в первой половине
1970-х годов был выработан метод «мета-искусства», легший в основу направления «соц-арта», с принадлежностью которому впоследствии согласился ряд московских
художников (кроме Б. Орлова и Р. Лебедева это, прежде всего, А. Косолапов и Л. Соков, а также Д. Пригов и В. Бахчанян; сам термин принадлежит дуэту художников В. Комару
и А. Меламиду, применивших его к своей выставке 1972 года). На протяжении нескольких десятилетий изобразительный диапазон работ Лебедева неоднократно
менялся. Тем не менее, он оставался верен своему критическому и ироническому методу, нередко выливающемуся в формат архива или исследовательской работы.
Произведения Лебедева находятся в музейных коллекциях, частных собраниях и фондах по всему миру.

Самир Салахов- художник и архитектор. В 2010 году окончил Азербайджанский университет архитектуры и строительства. Работает в смешанной технике, постоянно изучая рисунок, живопись, уличное искусство, инсталляции.

Салахов - художник-мультимедиа, изучает рисование, живопись, уличное искусство, инсталляцию и цифровое искусство. Синтезируя эти области, художник вычленяет из них единую идею, воплощая ее в своих работах. Благодаря сочетанию различных сред он создает образные портреты людей и животных, которые он называет «органической формой жизни». Салахов также заинтересован в исследовании взаимосвязи между современной поп-культурой и социальными / культурными событиями, которые он смешивает и которыми манипулирует через свое, "личное" искусство.

Самир принимал участие в групповых выставках в Азербайджане и за рубежом.

Российский и Казахстанский художник, скульптор с узнаваемым стилем, уникальным видением пространства и человека в нем. Основным объектом внимания Саяна является пространство дома мастерской и его трансформации. Пронизанные проемами, неожиданными сечениями комнаты и объекты в его работах сжимаются в насыщенные рельефы и разворачиваются в сложных оптических перспективах. Автор исследует композиционные, колористические и пластические способы построения пространства, задействуя оптические искажения, световые контрасты и динамичные повторы. Саян работает с третьим измерением и переворачивает его.

Образование
Школа-интернат и колледж по специальности станковой живописи при КазНАИ им. Т.Жургенова
Мастерская современного искусства под руководством Айдан Салаховой и Сергея Оссовского Московский государственный академический художественный институт имени В.Сурикова
Изучал музейную практику в Париже

Премии, награды
2024 - Delphian open call. Лондон, Великобритания
2024 - Финалист Art Lagunа Art Prize. Венеция, Италия
2023 - Резидент 9-го сезона Открытых студий Центр современного искусства Винзавода. Москва, Россия
2021 Победитель премии «Сцены повседневной жизни» Jackson’s Painting Prize 2021. London, Великобритания