Работы современных известных художников

Творчество В. С. Вильнера в 70 - 80-е годы 20 века и в 21 веке остается синонимом независимого, авангардного искусства. Долгое время он не был официально признанным художником.
Сейчас Виктор Семенович - заслуженный художник России, член-корреспондент Академии художеств, непревзойденный мастер и экспериментатор в области литографии, использующий совсем иной пластический язык в этой традиционной технике. Мастер наносит рисунок не только на привычный литографский камень, но и на другие довольно неожиданные материалы: цинковую пластину, металл, пластик, иногда и мрамор. Даже специалисты  не всегда отличают его эстампы от классической литографии.
Доминирующая, главная тема творчества художника – Петербург, город, наполненный реальными и фантастическими литературными героями и персонажами А. Пушкина, Н. Гоголя и Ф. Достоевского, город морской и промышленный, праздничный и будничный («Вечерняя площадь»), город блистательной архитектуры и скульптурных памятников, красивейших соборов и церквей, город многочисленных туристов, осматривающих музейные экспозиции и достопримечательности («Туристы в городе»). Динамичные, выразительные графические работы «Ремонт набережной» убедительно иллюстрируют тему города – порта с многочисленными морскими и речными судами, портовыми кранами. Как живо и не пафосно мастеру удается передать первомайское шествие в многоплановом графическом листе «Праздник», с бесконечными колоннами демонстрантов, несущих портреты К. Маркса и Ф. Энгельса, транспаранты «Миру-мир», «Слава труду»… Если первые литографские серии художника были необычайно реалистичными, как например, «Дни нашей жизни», то вскоре появляются листы из серии «Белые ночи» с «оживающими атлантами и кариатидами». У Вильнера свое оригинальное видение художественных образов, композиционного пространства, в котором он объединяет реалистичных и многочисленных придуманных, символических персонажей. Зачастую композиции его произведений строятся с высоты птичьего полета и город чрезвычайно насыщен людьми. Значительную часть листа занимают «опрокинутые, перетасованные улицы, дворцы, трущобы, безумные утюги и ожившие шинели». Но все это подчинено единому замыслу, композиции, объединено общим колористическим решением.

Илья Трофимович -  молдавский советский график, народный художник СССР (1963), действительный член Академии художеств (с 1988 года).
Богдеско родился 20 апреля 1923 года в Ботушаны, близ города Рыбница (ныне Рыбницкий район ПМР).
В 1933 году отец был арестован, семья раскулачена и выслана в Кировскую, потом Горьковскую область. После второго ареста и расстрела отца в 1938 году семья была переведена опять в Кировскую оласть. В этом же году Илья Богдеско поступает в Кировское художественно-педагогическое училище.[1]
Участник Великой Отечественной войны. Призван в Красную Армию был в 1942 году.
В 1951 году окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина.
С 1953 года работал в Молдавской ССР.
С 1961 года был главным художником издательства «Картя Молдовеняскэ». Автор лиричных, эмоционально-напряжённых иллюстраций к «Сорочинской ярмарке» Гоголя (тушь, перо, кисть, 1951), «Цыганам» Пушкина (чёрная акварель, 1956), молдавской народной балладе «Миорица» (акварель, темпера, 1966), а также серии цветных линогравюр «Моя Родина» (1961—1963).
Одна из самых известных работ — иллюстрации к роману Джонатана Свифта «Путешествия Гулливера», выполненные в технике гравюры резцом на металле, широко распространённой во времена Свифта. За эту работу на Всесоюзном конкурсе «Искусство книги» в 1980 году Богдеско был удостоен диплома имени Ивана Фёдорова.
В течение около пяти лет создал серию из 33 иллюстраций к «Дон Кихоту» Сервантеса. В книге «Пунгуца ку дой бань» («Кошелёк с двумя денежками») Иона Крянгэ написал весь текст от руки.
Оформил более 100 книг, и многие из его графических циклов стали классикой жанра книжной иллюстрации.
Автор ряда станковых графических серий, живописных полотен и монументальных росписей. Среди них: «Рыбаки Констанцы» (1980), «В облаках» (1984), «Богатый жених» (1984), «Купец» (1985).

Иван Чемакин родился в 1986 году в городе Тюмени. Закончил Тюменский колледж искусств («Графический дизайн» (2007). В этом же году переехал в Санкт-Петербург и поступил в Государственный университет кино и телевидения, специальность «режиссура анимации и компьютерной графики». Участник ряда выставок в Тюмени, Екатеринбурге, Санкт-Петербурге.
Начиная с 2009 года принимает участие в выставках объединения «Parazit».

Родилась в 1988 году в Перми.
С 2004 по 2008 год  занималась в художественной изостудии «Арт-С», г. Пермь.
В 2006 году окончила Пермский профессиональный лицей №1 по специальности «художник компьютерной графики».
С 2009 года живет и работает в Санкт-Петербурге.
В 2015 году окончила факультет искусств Санкт-Петербургского государственного университета  по специальности «Графика», квалификация «Художник анимационного фильма».
С 2013 по 2015 год - студентка программы «Школа молодого художника» фонда «ПРО АРТЕ», г. Санкт-Петербург.
Принимала участие в деятельности коллектива художников «Север-7».
Стипендиатка программы поддержки молодых российских художников музея современного искусства Гараж на 2015/16 год.

Константин Калинович – украинский художник, начинавший творческую биографию в Ленинграде, член-корреспондент Королевского Общества Живописцев & Граверов (Великобритания) и обладатель большого количества международных призов и наград в области печатной графики. Подробнее на сайте художника.
В 1992 Константин Калинович закончил Украинскую Академию Печати во Львове, где учился вместе с Олегом Денисенко и др. львовскими мастерами офорта, с которыми  творчески тесно связан до сих пор. Живет и работает в Луганске.
Первую выставку работ Константина Калиновича Sentimental voyage я провел в музее-квартире И.Бродского (СПб, пл. Искусств, 3) в 2001 году. С тех пор продолжается наше знакомство и сотрудничество, где я выступаю и как собиратель его работ и как его агент & галерист. С 2011 года и как издатель – сейчас идет работа над Книгой Екклесиаста с гравюрами и каллиграфией Константина Калиновича.

Николай Домашенко -  советский и российский художник, график, гравёр, специализируется в экслибрисе и книжной иллюстрации. Заслуженный художник Российской Федерации (2019). Домашенко родился в 1946 г. в Иркутске. Окончил художественно-педагогическое отделение Иркутского училища искусств. С 1966 года Николай Иванович являлся участником областных, региональных, республиканских, всесоюзных и международных выставок.

В 1967 году Николай Иванович закончил Иркутское художественное училище под руководством М. Д. Воронько. В качестве дипломной работы были представлены иллюстрации к «Сказке о военной тайне, о Мальчише-Кибальчише и его твёрдом слове» А. П. Гайдара. Автор выбрал новое художественное решение — технику прорезной аппликации, которая позволяет создавать лаконичные, строгие стилизованные образы. Было ограничено число использованных цветов: белый тон листа, мрачно-черный и взволнованно-красный — в изображениях. Такой подход представлялся вполне соответствующим духу времени, поскольку в 1960-е годы советская иллюстрация переживала новый этап развития, связанный с отказом от подробной повествовательности, с осознанием особенностей языка книжной графики, его условности и декоративности.

В это же время он женился и через год поехал в Подмосковье, где шла подготовка к выставке «Графика Сибири». В 1969 году на выставке Союза художников СССР появилась первая серия его работ в печатной технике — «Декабристы». Эти работы выполнены в технике «цветная автолитография». Одно из собраний работ, посвященных декабристам, называется «Вне разряда» и посвящено пятерым повешенным декабристам. В серию входят портреты Сергея Муравьева-Апостола, Петра Каховского, Михаила Бестужева-Рюмина, Кондратия Рылеева, Павла Пестеля. Интересна техника, в которой выполнены эти работы — «сухая игла». Другой блок графических работ посвящен восстанию декабристов. Николай Домашенко одним из первых начал использовать цвет в своих работах.

В 1971 году удостоен премии Иркутского обкома ВЛКСМ имени Иосифа Уткина, присуждавшейся за творческие заслуги. В 1973 году Николай Иванович с семьей переехал в Новосибирск, работал там, выполняя индивидуальные творческие заказы.

В 1983 году Николай Иванович переехал в Лениград, работал в Союзе художников, в экспериментальной мастерской, в детской художественной школе «Александрино» преподавателем рисунка. В 1998 году художник вместе с друзьями-художниками И. Л. Черновой-Дяткиной, К. О. Почтенной, А. А. Гавричковым и другими организовали творческую группу «10 тихих». Для этой группы характерно стремление избегать шумных пиар-кампаний, суеты, коммерциализации труда художника. Девизом группы стало латинское изречение «Ab ovo». Выставки: 1998 — «Десять тихих» (Музей городской скульптуры); 1999 — «10+» (ВЗ «Невограф»); 2000 — «Тихая музыка» (Государственная академическая капелла); 2001 — «Прогулки к Пушкину» (Всероссийский музей А. С. Пушкина; помимо произведений членов группы посмертно экспонировались работы Л. Сергеевой).

С 1988 по 1996 г. состоял в объединении художников печатной графики им. Н. А. Тырсы.

Отдельную грань творчества Н. И. Домашенко составляют экслибрисы. Эти миниатюры представляют собой сюжетные экслибрисы, получившие наибольшую популярность в XX веке. Их основная особенность — рисунок, лаконично и образно отражающий интересы, профессию владельца библиотеки или её состав. Автор обращается к разным техникам для наилучшего воплощения своего замысла: это и сухая игла, и офорт, и резцовая гравюра, и гравюра бором; нередко они дорабатываются акварелью, придающей оттискам законченность и красочную неповторимость. Иногда колористическая гамма основана на гармонии сближенных или дополнительных цветов, иногда она ограничивается скупой по количеству оттенков и яркости подцветкой[9]. Николай Домашенко постоянный участник Всероссийского конгресса экслибриса.

Работает в станковой и книжной графике в различных техниках: офорт, резцовая гравюра, сухая игла, литография. Основные работы: «Декабристы» (1969) «Трагедии декабря» (1973), «Хлеб Сибири» (1979), иллюстративное оформление произведений Н. В. Гоголя — «Вий», «Пропавшая грамота», «Ночь перед рождеством» (1971—1997), «Петербургские повести» (2002), «Каменный гость» А. С. Пушкина (1999), «Гадкие Лебеди» братьев Стругацких (2000) и «Повесть о Ходже Насреддине» Леонида Соловьёва (2005). Гравюрам Н. Домашенко присущи романтическая приподнятость, совершенство формы, изысканность рисунка.

С 2009 года Николай Домашенко сотрудничает с редакцией иркутского детского литературно-художественного журнала «Сибирячок» — ведёт рубрику «К 200-летию Отечественной войны 1812 года».

Вадим Бродский - художник-график, член Союза художников СССР.
Родился 24 января 1945 г. в Ленинграде в семье художника Бродского Валентина Яковлевича. Окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина (мастерскую графики Таранова Михаила Афанасьевича) в 1970. Вадим Валентинович учился у лучших графиков таких, как Б.Н. Ермолаева, А.С. Ведерникова, Г.М. Неменовой. Дипломная работа в ВАХ - оформление и иллюстрации к книге К. Паустовского "Северная повесть", оценка - отлично. Обучение проходило на графическом факультете. Присвоена квалификация художника-графика. С 1975 года член Санкт-Петербургского Союза художников. Занимается станковой и книжной графикой, a также живописью и плакатом. Любимые графические техники — цветная литография и ксилография. С 1970 года работает в Экспериментальной литографской мастерской в Санкт-Петербурге вместе с мастерами разных поколений. Ленинградский период в его творчестве неразрывно связан с поэзией Анны Ахматовой. По мотивам ее творчества им было создано: цикл гравюр на дереве к сборнику лирики Ахматовой, цикл литографий, иллюстрации к сборнику избранных стихов поэтов серебряного века, книга «Голос» к стихам поэтессы, а также ее портрет. Бродский в своих рисунках отражал личное виденье поэзии Ахматовой, пытаясь, так же, как и она писала стихи, рисовать просто и объемно. В 1991 году вместе с девятью другими художниками организовал группу «Цех».
Проиллюстрировал более 40 книг, в том числе «Петербургские повести» Н. Гоголя (Издательство «Европа», Будапешт), «Избранную лирику 175 Анны Ахматовой. С 1991 года работает над литографированными малотиражными книгами. Работал и читал лекции в литографических мастерских за границей. (Мастерская «Открытая студия» в Торонто, Канада; Общество «Художники—графаки Бата» в Бате, Великобритания; Кооператив Оксфордских графиков в Оксфорде, Великобритания). С 1997 года художник живет и работает в Штутгарте, Германия. Работы художника встречаются крайне редко и представляют коллекционный интерес.

Валерий Мишин - художник, начинавший свою графическую историю в конце 60-х в печатне Германа Пахаревского. Участник газаневских выставок и член Группы восьми - "Лестница" (левый ЛОСХ). Тема "Мужики" берет свое начало в конце 60-х (дипломная работа в Мухинском училище) и проходит через все творчество Валерия Мишина:
1967 - 1968 - МУЖИКИ 60-х первая (прото) серия из 9 литографий
1981 - 1986 - МУЖИКИ 80-х наиболее известная серия из 15 эстампов и 6 рисунков
1996 - 1997 - МУЖИКИ 90-х рисунки к книге Ю. Новолодского "Пересуд"
2008 - экслибрис К. Авелева МУЖИКИ 00-х
2010 - 2012 - МУЖИКИ серия из 7 эстампов "Семь премудростей"
Цикл «Мужики», одновременно философский и пронзительно лирический, стал «визитной карточкой» художника и по-новому раскрыл русский характер.

“Одна из тем, которая не покидает сферу интересов автора уже много лет, обрела плоть и законченную форму в 1980-х годах, когда Валерием Мишиным была создана графическая серия под названием “Мужики” (рисунок, офорт, литография). Однако, под этим названием можно объединить и другие произведения автора, созданные им в период с 1960-х до 2000-х годов. Героем нескольких графических серий этих десятилетий стал «мужик» в различных своих ипостасях. Это попытка самопознания, самоидентификации, философские размышления о национальном менталитете, о смысле жизни. Главный герой Мишина видоизменялся с годами, поскольку “времена меняются, и мы меняемся вместе с ними”.
Екатерина Климова (ГРМ)

Олег Ланг, выпускник Суриковского института, сумел выработать уникальную творческую манеру. Он получил признание яркого живописца еще в 1980-х годах. Его путь художника крайне индивидуален, хотя и может вызывать определенные ассоциации — то с «окультуренным» примитивизмом, то с брутальностью и отвязностью «новых диких». Ланг понимает живопись как универсальный язык, не утративший актуальности и до сих пор остающийся действенным. При помощи этого языка художник, как и в былые времена, способен передать все что угодно: от личных переживаний и детских воспоминаний до поворотов всемирной истории, от беспредметных импровизаций до пересмотра канонических мотивов классического искусства.

Неповторимость пластического хода — вот главное условие, на основе которого Ланг создает все свои композиции — от крошечных, площадью в несколько десятков квадратных сантиметров, до десятиметровых. Его развитие никогда не останавливается, но при этом не является эволюцией, поступательным движением «к лучшему». Это движение не имеет цели, как жизнь языка, как течение самого искусства. Живопись для Ланга — это «прямая речь» художника, интонации которой могут бесконечно варьироваться, но суть едина, и она заключена в соединении разговора о человеческой и художественной свободе

Андрей Красулин родился в 1934 году в Москве, детство провел в городе Пушкино (Московская область). С 1953 по 1960 годы обучался на отделении монументальной и декоративной скульптуры Московского высшего художественно-промышленного училища (ныне МГХПА им. С.Г. Строганова). В советские и постсоветские годы Красулин много работает в содружестве с близкими ему по воззрениям архитекторам, в том числе над государственными заказами: в основном это барельефы в театральных вестибюлях и публичная скульптура, часто мемориальная, обладающая не типичными для того времени абстрактными формами. Художник живет и работает в Москве.