Работы современных известных художников

«Московский художник, исследователь уличного искусства. Дмитрий Аске увлекся граффити-субкультурой в 2000 году, и вплоть до 2009 года активно рисовал шрифты на стенах. С 2003 по 2009 год состоял в команде Sicksystems вместе с Иваном Kola (он же Bern) и Алексеем Kio. Дмитрий был одним из первых в России художников, кто привнес в граффити-субкультуру элементы графического дизайна. В 2005 году Дмитрий Аске участвовал в знаковых для того времени выставках уличного искусства: Kontrast в Mode Museum города Антверпена, «Сообщники» в ГТГ на Крымском Валу и Original Fake в Московском центр искусств.
Аске является одним из основателей российского граффити-журнала Code Red, издававшегося с 2005 по 2010 год. За эти годы было выпущено шесть номером журнала, которые распространялись по всей России, а также за рубежом. Code Red оказал колоссальное влияние на развитие отечественной граффити-сцены середины нулевых. Позднее Дмитрий занял должность главного редактора одноименного онлайн-издания, которое с 2015 года функционирует под названием Vltramarine.
C 2007 по 2012 год Дмитрий активно занимался цифровой графикой, иллюстрацией, графическим дизайном и типографской. Плодотворно сотрудничал с такими крупными брендами, как Nike, Reebok, Nokia и др. В 2010 году нью-йоркский журнал Print Magazine включил Аске в список двадцати самых талантливых молодых художников всего мира и опубликовал статью о нем в специальном выпуске The New Visual Artists: 20 Under 30.
Постепенно расширяя рамки собственного творчества, в 2011 году Дмитрий создал первую серию произведений в авторской технике многослойного мозаичного рельефа из дерева… После длительного перерыва в 2013 году Дмитрий вернулся к рисованию на улице. С 2013 по 2017 год художник создал масштабные произведения на фасадах домов в Москве, Салавате, Выксе, а также в Германии - городе Мангейме. В 2016 году, в рамках биеннале уличного искусства АРТМОССФЕРА, Дмитрий успешно попробовал свои силы в создании масштабных скульптур.
С 2015 года Дмитрий Аске выступает с образовательной миссией - он участвует с докладами на тему уличного искусства и граффити. В 2016 году на базе галереи RuArts Дмитрий прочитал полноценный курс тематических лекций из 20 выступлений.»(Энциклопедия российского уличного искусства. М.: 2019)

Дмитрий Горбунов родился в 1985 году, г Тольятти Самарская область.
В 2007 году закончил обучение в Художественном училище им. Рериха (СПб) на отделении скульптуры.
В 2011 году в Академии Художеств им. Репина (СПб) на факультете монументальной живописи.
Является членом Союза Художников России с 2016 года.
Входит в ТОП 100 признанных молодых художников по мнению аналитической платформы о российском современном искусстве «INART».
С 2013 года Горбунов работает не только в России, но и Европе, принимает участие в многочисленных персональных и групповых проектах, таких как «Пятая Московская международная биеннале молодого искусства» (2016, Москва, Россия), Международная выставка «Северное искусство» (2015, Kunstwerk Carlshuette, Budelsdorf, Германия), PrivateGallery (2011, Кап-Ферра, Лазурный берег, Франция).
Работы Димы Горбунова относятся к направлению фотореалистичной фигуративной живописи, где главную роль играет условность среды, именно она диктует художнику образы: будь то ночной сумрак, флуоресцентный свет или полигональный мир.

Дима Гред живет и работает в Москве. Начал рисовать граффити в 2003 году. Позже увлекся минималистичными абстрактными формами. Прямоугольные элементы работ Димы зачастую сливаются со средой, оставаясь не замеченными горожанами. Даже будучи похожими на образ или текст, работы Димы Греда ни к чему не отсылают, становясь означаемым без означающего. В основе всех работ художника – решетка с четкими размерами, обусловленными окружающей средой, и все работы выполняются внутри этой сетки. Возможны любые комбинации и сетка может продлеваться до бесконечности, но выход за пределы сетки невозможен.

Дмитрий Гутов — вот уже на протяжении более двадцати лет одна из центральных фигур российского contemporary-art. Он — не только художник, но и теоретик, арт-критик, а также идеолог, член редколлегии и автор журнала «Художественная жизнь». С именем Гутова связана организация в 1994 в Москве «Института Михаила Лившица» — потешного полка современного российского искусства, сочетающего черты художественного проекта, сообщества интеллектуалов, теоретизирующих в духе махрово-социалистической эстетики, и перформанса. Например, порой доклады в институте Лившица можно было только петь или произносить речитативом, но не читать. По шуточному выражению Б.Гройса, Гутов — «идеологический терминатор».

Как художник, Дмитрий Гутов обращается к разнообразным медиа, переходит от одних к другим. Это и фотография, и живопись, и видео, и инсталляция, и цифровое искусство. По мнению А. Тер-Оганьяна, Гутов — один из лучших художников своего поколения. Как человек с академическим искусствоведческим образованием, он не оставляет без внимания историю культуры. Гутов обращается к классическому искусству, апроприирует офорты Рембрандта, русскую иконопись, восточную каллиграфию, создавая новые «прочтения» — в объеме, из металлической ленты. Гутов свободно оперирует любыми объектами культуры независимо от времени и пространства, превращая их в явления современного искусства. В своем творчестве Гутов, по словам В.Мизиано, обнаруживает «волю к ясности мысли».

Художник принял участие более чем в 40 персональных и 170 коллективных выставках по всему миру, среди которых Венецианская биеннале (1995, 2007, 2011), Стамбульская биеннале (1992), Манифеста (1996) в Роттердаме, биеннале 2002 года в Сан-Паулу, Сиднейская биеннале (2006), documenta (2007), Эчиго-Цумару Триеннале в Японии (2007), Шанхайская биеннале (2012) и другие. Работы Дмитрия Гутова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва, Россия), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Центра Жоржа Помпиду (Париж, Франция).

Лиховцев Дмитрий Александрович родился 20 декабря 1979 г.
В 2002 году окончил Российский художественно-технический колледж игрушки в г. Сергиев Посад.
В 2013 году окончил МГХПА им. С. Г. Строганова кафедра художественной керамики.
Дипломную работу «Хоккей», посвящённую зимней Олимпиаде в г.Сочи, создавал под руководством нар. худ. РФ, действительного члена РАХ, члена правления МОСХ, Союза художников РФ, доктора искусствоведения, профессора Малолеткова Валерия Александровича.
С 2014 года - член Московского союза художников.
Дипломант Ассоциации художников декоративных искусств Московского союза художников 2016 года.
С 2014 года - участник творческих групп Союза художников России и Союза скульпторов Московского союза художников.
Участник и лауреат многочисленных выставок Москвы, Ярославля, Вологды и Люксембурга.
Московские ценители керамики знают его работы по экспозициям Центрального дома художников на Крымском валу, Московского дома художников на Кузнецком мосту, Выставочного зала СХ России на Беговой, московской галереи «ЗиЛ» в Центре современного искусства «Винзавод».
Участник Арт-проекта Ярославского областного отделения СХ России «Приглашение к путешествию» (2013).
Лауреат клуба «Творческие Среды» за лучшее решение темы «Скульптурная пластика» - 2011.

В 1994 году Владимир Дубосарский и Александр Виноградов создали свой собственный проект. В те времена актуальное искусство являло собой достаточно неординарное выражение инсайдерской мысли. Как правило, это были немного диковатые для “обычной” публики перфомансы.
Не удивительно, что после СССР-ого соцреализма московская публика требовала совершенно новые формы искусства, лишь бы уйти от фальшивого идеализма, который диктовался годами во времена совка. В подобной атмосфере и сформировался проект Дубосарский-Виноградов, предложивший картины, написанные в том самом ненавистном публике стиле - соцреализме.
Идея состояла в том, чтобы оставить язык произведения, то есть художественный стиль, прежним, а тематику, в свою очередь, избрать актуальную. То есть, в отличие от других мастеров актуального искусства, беспрерывно воюющих со всеми, начиная со зрителя и заканчивая Богом, Дубосарский-Виноградов заняли позицию конформизма и полного приятия всего, что происходит в мире. Они продемонстрировали готовность обслуживать самый примитивный вкус, воплощать самые незатейливые фантазии, делать все очень красиво и предельно понятно. Они полностью отказались от своих творческих амбиций, стремления к уникальности, новаторских интенций и всего остального, что входит в характеристику с места работы актуального художника. Они полностью растворились в гипотетическом заказчике под вечным девизом «Чего изволите?».
В работах Дубосарского и Виноградова царила атмосфера “перебора”. Всего в картинах было как будто чересчур: слишком красиво, слишком сентиментально, слишком торжественно, даже вызывало чувство подступающей тошноты. Авторы доводили всё в своих произведениях до буквально кричащего абсурда.
При всём при том, тандем не пошел выставляться в коммерческие галереи, а продолжал работать на тех же площадках актуального искусства, что и раньше. То есть потребитель их искусства остался тот же, что и у искренних, радикальных нонконформистов.
Сейчас Дубосарский-Виноградов входят в пятерку самых известных российских художникових работы хранятся в Третьяковской галерее в Москве, Русском музее в Санкт-Петербурга, Центре Жоржа Помпиду в Париже и во многих других коллекциях.


Информация взята из источника: https://adindex.ru/publication/gallery/2011/07/22/69484.phtml

Евгений Эдуардович Гороховский – известный московский художник среднего поколения. Он родился в Одессе в семье архитектора, впоследствии одного из крупнейших отечественных художников второй половины века, Эдуарда Гороховского. В 1973 году окончил Школу-студию МХАТ в Москве и работал по специальности в Новосибирске, с которым связаны и его юные годы. Его становление происходило в 1970-е в непосредственном окружении мэтров «другого искусства» – Ильи Кабакова, Виктора Пивоварова, Эрика Булатова. Тогда и сложился его собственный стиль на стыке фотореалистического изображения и метафизического, концептуально отрефлексированного содержания. Фактически Евгений Гороховский стал одним из основоположников отечественного фотореализма, придав ему специфически философское звучание.
Появление каждого нового полотна Гороховского – плод не только работы непосредственно на холсте, но и длительных предшествующих процессов – от съемки десятков фотографий-эскизов до философской концептуализации результата в названии и развернутых пояснений к нему. Это и есть пояснения к бесконечной череде метаморфоз, сопровождающими каждое явление в нашем мире. Работы художника находятся в коллекции Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, а также в знаковых частных коллекциях в России и за рубежом.

60 место в рейтинге «Топ 100 признанных авторов» In Art: https://in-art.ru/art-mir/khudozhniki/ evgeniy_4042/

Евгений Михнов-Войтенко (1932, Херсон — 1988, Ленинград)

В 1939 году переехал в Ленинград. Во время войны был эвакуирован в Семипалатинск, затем вернулся в город на Неве.
Учился на скандинавском отделении Педагогического института иностранных языков (1951–1954), в мастерской Н. Акимова в Театральном институте (1954–1958).
Работал оформителем в Ленинградском художественном фонде. Лидер старшего поколения ленинградского андеграунда, дружил с Л. Аронзоном,
А.Кнайфелем, Б.Понизовским. С 1956-го увлекся абстрактной живописью под влиянием Дж.Поллока и У. де Куннинга. Одним из первых начал работать в абстрактно-экспрессионистской манере.
Член Товарищества экспериментального изобразительного искусства (1981).
Создал оригинальную эстетику спонтанной живописи, изобретая технические возможности для возникновения неконтролируемого художником изображения. Использовал подвижный стол, меняющий угол наклона и соответственно траекторию растекающейся краски. Работая с мокрым картоном, дающим непредсказуемые разводы, разбрызгивал краску, а затем соскабливал ее, оставляя лишь блеклые следы. В отличие от американского абстрактного экспрессионизма, возникшего под влиянием сюрреализма, психоанализа и исследований архаических мифологий, живопись Михнова-Войтенко формировалась в духовно - религиозных поисках.
По праву считается одним из самых ярких отечественных художников-нонконформистов ХХ века.

Умер в Ленинграде в одиночестве.

Родилась в 1988 году в Москве.

Трансформирует в искусство реальность смерти и противостояние ей. Изучает тему наследия и поиска вечности, наблюдая за увяданием людей, животных и объектов.
"Мои работы – это визуальное размышление о сопротивлении уходу в небытие" - говорит Евгения.

Через наблюдение за процессами «увядания» живой и неживой природы Евгения изучает темы памяти и наследия, механизмы эмоциональной депривации и побега от реальности.
Сюжеты и образы, из которых выстраивается художественная вселенная Войнар, тесно связаны с биографическим опытом: воспоминания о прошлом вплетаются в размышления о сопротивлении физическому исчезновению и одновременно взаимодействуют с принятием неизбежности этого опыта.
В своей художественной практике опирается на классические художественные традиции. В работе большое внимание уделяет технической части: использует приемы коллажа и послойного нанесения материалов для создания эффекта иллюзорности и увеличения пространства.

Медиум: живопись, графика, скульптура, объекты, инсталляция


Образование:
2021–2022 - Резидент 7-го сезона Открытых студий ЦСИ Винзавод
2017 – 2019 - Институт современного Искусства им. И. Бакштейна (курс «Новые художественные стратегии», направление «Художник»)
2016 – 2017 - Школа современного искусства «Свободные Мастерские» ММОМА (курс «Новейшее искусство»)
2009 – 2016 - МГАХИ имени Сурикова (специальность «Художник станковой графики»)
2005 – 2008 - МГАХУ памяти 1905 года (специальность «Дизайн среды»)

Егор родился в Барнауле
Барнаул / Омск / Москва
Медиумы: живопись, скульптура, инсталляция.
Егора Федоричева интересует совмещение найденных объектов с живописными приемами. Произведения построены на стратегии присвоения, трансформации нехудожественного материала в плоскость искусства, являя собой нечто среднее между скульптурой и коллажем, картиной и объектом.
Образование
2007-2009 Художественно промышленный колледж г. Омск
2010-2013 Российская академия театрального искусства «Гитис»
2013 – 2014 Институт проблем современного искусства
2015 – 2018 Школа фотографии и мультимедиа имени А.Родченко, мастерская Сергея Браткова. Номинант государственной премии в области современного искусства «Инновация 2018», номинация «Новая генерация».