Работы современных известных художников

Роман Мураткин, он же Ремо, — художник из города Серпухова — впервые увидел рисунки на зданиях в возрасте тринадцати лет. Спустя четыре года он создал свою первую работу на улице. В списке его кумиров тогда значились граффити-райтеры: Dare, Mr. Totem и Daim. Роман получил художественное образование по специальности «декоративно-прикладное искусство» и постоянно находится в творческом поиске: обращается к темам царского и советского прошлого, смешивает графику и акварель, создает скульптуры и инсталляции.

Ростислав Лебедев – известный современный художник, активный участник неофициального искусства в советское время, один из основателей направления «соц-арт». В своих работах он одним из первых в отечественном искусстве использует приемы, которые впоследствии станут расхожими штампами постмодернизма: цитаты из
классических произведений, их ироничное комбинирование, тематизация четко очерченных дискурсивных практик – политической, фрейдистской с агрессивным сексуальным подтекстом, постколониальной. Одним из первых Лебедев вводит в своих произведениях рефлексивные отсылки к художественной практике своих современников и соотечественников.
Лебедев родился в Москве в 1946 году. Он окончил Московский государственный педагогический институт (художественно-графический факультет) в 1969 году. На рубеже 1970-х годов вошел в круг художников, впоследствии известный как «группа улицы Рогова» – по местоположению мастерской одного из них, Бориса Орлова (в число
художников группы входили также Дмитрий А. Пригов, Игорь Шелковский и другие). В атмосфере нескольких творческих мастерских и квартирных показов в первой половине
1970-х годов был выработан метод «мета-искусства», легший в основу направления «соц-арта», с принадлежностью которому впоследствии согласился ряд московских
художников (кроме Б. Орлова и Р. Лебедева это, прежде всего, А. Косолапов и Л. Соков, а также Д. Пригов и В. Бахчанян; сам термин принадлежит дуэту художников В. Комару
и А. Меламиду, применивших его к своей выставке 1972 года). На протяжении нескольких десятилетий изобразительный диапазон работ Лебедева неоднократно
менялся. Тем не менее, он оставался верен своему критическому и ироническому методу, нередко выливающемуся в формат архива или исследовательской работы.
Произведения Лебедева находятся в музейных коллекциях, частных собраниях и фондах по всему миру.

Самир Салахов- художник и архитектор. В 2010 году окончил Азербайджанский университет архитектуры и строительства. Работает в смешанной технике, постоянно изучая рисунок, живопись, уличное искусство, инсталляции.

Салахов - художник-мультимедиа, изучает рисование, живопись, уличное искусство, инсталляцию и цифровое искусство. Синтезируя эти области, художник вычленяет из них единую идею, воплощая ее в своих работах. Благодаря сочетанию различных сред он создает образные портреты людей и животных, которые он называет «органической формой жизни». Салахов также заинтересован в исследовании взаимосвязи между современной поп-культурой и социальными / культурными событиями, которые он смешивает и которыми манипулирует через свое, "личное" искусство.

Самир принимал участие в групповых выставках в Азербайджане и за рубежом.

Российский и Казахстанский художник, скульптор с узнаваемым стилем, уникальным видением пространства и человека в нем. Основным объектом внимания Саяна является пространство дома мастерской и его трансформации. Пронизанные проемами, неожиданными сечениями комнаты и объекты в его работах сжимаются в насыщенные рельефы и разворачиваются в сложных оптических перспективах. Автор исследует композиционные, колористические и пластические способы построения пространства, задействуя оптические искажения, световые контрасты и динамичные повторы. Саян работает с третьим измерением и переворачивает его.

Образование
Школа-интернат и колледж по специальности станковой живописи при КазНАИ им. Т.Жургенова
Мастерская современного искусства под руководством Айдан Салаховой и Сергея Оссовского Московский государственный академический художественный институт имени В.Сурикова
Изучал музейную практику в Париже

Премии, награды
2024 - Delphian open call. Лондон, Великобритания
2024 - Финалист Art Lagunа Art Prize. Венеция, Италия
2023 - Резидент 9-го сезона Открытых студий Центр современного искусства Винзавода. Москва, Россия
2021 Победитель премии «Сцены повседневной жизни» Jackson’s Painting Prize 2021. London, Великобритания

Искоских Светлана Игоревна, творческий псевдоним #iskosmosa.

Родилась на Урале в 1988 году, сейчас живет и работает в Москве.

Начала рисовать в детстве, с отличием окончила детскую художественную школу. Затем училась на архитектора в “Уральской государственной архитектурно-художественной академии”, получив степень бакалавра и магистра в области архитектуры.
В течение 5 лет работала в офисе архитектором, занимаясь проектированием зданий и интерьеров домов, однако целью своей жизни Светлана выбрала живопись и ничуть не жалеет об этом.
Сейчас она полностью посвящает себя живописи - это ее основная работа.

Профессиональное образование дает художнику представление о том, какие произведения искусства больше подходят для современного интерьера. Ее вдохновением является человеческое тело, дети и философские темы. В своих картинах она пытается передать чувства через цвета и образы. В последние годы в ее творчестве было много поворотов: от абстракционизма к реалистической живописи.

Последняя серия работ “Подростки”, рассказывающая о чувствах, которые мы давно забыли.

Светлана сотрудничает со многими дизайнерами интерьеров, помогая им с подбором картин в их проекты. Она постоянно изучает тренды и модные тенденции в изобразительном искусстве и дизайне, чтобы использовать их в своей работе.

Вдохновением для ее творчества служат работы: Лю Е, Владимира Дубосарского, Ричарда Серра, Александра Дайнека.

Родился в 1961 году в Москве.
В 1984 году окончил Московский архитектурный институт (МАРХИ).
«Семён Агроскин занимает какое-то совсем особое место в современном художественном процессе. Он парадоксален, и это отличает его и от «левых» и от «правых», от авангардистов и традиционалистов. Стремление к предметной изобразительности, возрождение «старых» жанров, таких как натюрморт, портрет, автопортрет, пейзаж, интерьер, глубина и серьёзность самой позиции художника по отношению к миру, — что это, как не безнадёжная в глазах многих архаика? Но при этом живопись Агроскина производит впечатление очень современной — в ней схвачен живой повседневный нерв, ритм, пульсация города и человека, порой возникает неожиданный угол зрения на предметы, лица, жесты и движения."(Вера Чайковская)
Работы находятся в собраниях Союза художников России, Министерства культуры РФ, Государственной Третьяковской галереи (Москва), Московского музея cовременного искусства, Музея современного искусства Оклахомы (США), в Музее современного искусства Тренто и Роверето (Италия), в частных и корпоративных собраниях России, Франции, Германии, Италии, Великобритании, Израиля, США.
Художник живет и работает в Москве.

Сергей Бархин родился в 1938 году в Москве.
С 1956 по 1962 года учился в Московском архитектурном институте. По окончании учебы занимался архитектурой и книжной иллюстрацией; работал в театрах Москвы, Вильнюса, Горького, Свердловска, Саратова, Куйбышева и других. В 1965 году стал членом Союза архитекторов; в 1974 - Союза художников, в 1978 - Союза театральных деятелей.
С 1988 по 1992 года работал главным художником Московского музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко. В 1993 году стал лауреатом Государственной премии РФ в области литературы и искусства. С 1995 по 2000 года был художественным руководителем и стенографом Большого театра. Также с 1980-х годов был соавтором спектаклей Генриетты Яновской и Камы Ганкаса Московского Театра юного зрителя.
В 1994 году совместно с Давидом Боровским выступил как автор проекта художественного оформления Музея-квартиры В. Э. Мейерхольда.
В 2011 году стал академиков Российской академии художеств; в 2013 году - членом Союза писателей Москвы.
За время своей карьеры Сергей Бархин оформил более 200 театральных постановок как в городах бывшего СССР, так и заграницей: в Германии, Финляндии, Швеции, Японии, Турции, Чехии. Среди премий и наград художника: премия «Золотая маска» (1995, 2001, 2005, 2011 и 2013), театральная премия «Хрустальный Турандот» (1999, 2010, 2011 и 2016), премия фонда Олега Табакова (1997), Международная премия им. К. С. Станиславского (2002), независимая премия «Триумф» (2004), театральная премия «Чайка» (2006), премия Москвы (2008 ), архитектурная премия «АрхиП» (2009), золотая и серебряная медали Академии художеств Россиии (1991 и 2015), премия Московского комсомольца (2016), премия «Театральный роман» (2018).
Среди книг, изданных с иллюстрациями Сергея Бархина: «У. Шекспир - Король Лир. Мизансцены и образы» (М., 2020), «Книга песней Соломона. Иллюстации и мизансцены» (М., 2019), «Белое по черному. Иллюстрации к дарматическим произведениям серии книг издательства «Искусство» и других издательств 1968-1984 годов» (М., 2017) и другие.

Сергей Гета известен графическими работами в фотореалистическом стиле. Действительно, автор воспроизводит карандашом на планшете фотографические изображения с удивительной точностью. Куратор выставки и заведующий Отделом новейших течений ГТГ Кирилл Светляков, назвал Сергея Гету одним из самых рефлексирующих художников гиперреализма: «У него была героическая практика, потому что это многочасовая работа, связанная даже не с передачей фотоэффектов, а с реконструкцией фотографического образа. Конечно, здесь есть некий артистизм — штрихи, но они стилизованы под качество стертой, поцарапанной фотографии. Он мне рассказывал, что буквально калечил себя этой работой и сломал себе зрение».

Сюжет и специфика высказывания нового проекта, который художник готовил на протяжении последних двух лет, связаны с темой распада советской материальной культуры. Сергей Гета переосмысливает наследие периода СССР посредством образов скульптурных объектов ВДНХ: он с высочайшим мастерством и любовью прорисовывает «остатки» и «обломки» ушедшей эпохи, наделяя их живой и неоднозначной историей. Артефакты советских времен обретают вторую жизнь в авторской графике, становятся не просто объектами ностальгии, но настоящими произведениями искусства, драгоценными и обновленными.

Качество тонкой работы Сергея Геты выделяет его среди мастеров гиперреализма: различия между фотографией и рисунком автора стали крайне зыбкими. Для художника точнейшее воспроизведение фотографии в графике является не столько процессом, сколько личным переживанием и практикой пребывания в особом состоянии: «То, с чем я имею дело – соединение современной техники, которая делает на пленке-фотобумаге изображение столь же конкретно-реальным, осязательно-зримым как сама физическая реальность, – и воссоздание его на бумаге карандашом, то есть графитом – самым древним материалом в распоряжении художника. Вот в этом синтезе новейшего и самого древнего – какая-то парадоксальная каллиграфия, только очень длительная, она же медитация». Работа над одним гиперреалистичным рисунком в карандаше, которая длится около двух или трех месяцев, для Сергея Геты – целый отрезок жизни. Воля автора к созданию нового произведения трансформируется в желание постоянно находиться в процессе этого создания, «зарождения» собственной реальности.

Сергей Гета родился в 1951 году в Киеве. Окончил Киевский художественный институт. С 1975 года принимает участие в художественных выставках и конкурсах международного уровня, в том числе Биеннале графики и рисунка в Германии, Польше, на Мальте. Является членом Союза художников России. Работы Сергея Геты входят в коллекции Государственной Третьяковской галереи; Музея Людвига, Кёльн, Германия; Zigzag Corporation, США; Crystal Art Museum, Япония; художественных музеев Нюрнберга, Вроцлава и Киева а также в многочисленные частные коллекции по всему миру. Художник живет и работает в Москве.

Сергей Катран родился в городе Никополе, Украина.

В 1992 году получил первое высшее образование по естественным наукам в Криворожском государственном педагогическом институте. Его основными предметами были биология и химия. Позже он переехал в Москву, где получил степень изобразительного искусства в Школе изобразительных искусств.

Катран — разносторонний художник, который экспериментирует с научным искусством и биоартом и работает в различных медиа, таких как инсталляция, скульптура, перформанс и видео. Его практика основана на последних научных и технологических открытиях.

В 2012 году стал лауреатом Ломоносовской художественной премии за интеллектуальный вклад в современное искусство (премия учреждена философским факультетом МГУ), а в 2019 году стал лауреатом конкурса «Фабричный центр творческих инициатив».

Работы Сергея Катрана можно найти в музеях, а также в частных и корпоративных художественных коллекциях, таких как коллекция Лучано Бенеттона Imago Mundi в Тревизо, Италия, под эгидой Fondazione Benetton Studi Ricerche; Les Jardins d’ Étretat, Нормандия, Франция; Государственный Русский музей, Санкт-Петербург; ГЦСИ (Национальный центр современного искусства), Москва; и другие.

Молодой российский художник. В своих работах Сергей совмещает опыт академического художественного образования с современными методами трактовки формы, цвета, поверхности. Образы на его ярких холстах условны и в то же время реалистичны, большие цветовые пятна сочетаются с линейными контурами, напоминая многослойные линогравюры. Основными медиумами художника остаются классические материалы. Это чаще всего акрил на холсте для крупных форматов и разные графические техники для камерных серий – офорт, линогравюра, шелкография. Художнику важно иметь возможность экспериментировать с фактурами и материалами.

Образование
Московский Государственный Академический Художественный Институт Им. В.И. Сурикова по специальности «Станковая графика»

Член Московского союза художников и Творческого союза России
Резидент мастерских Центра современного искусства Винзавод

Участник
2023 - Биеннале уличного искусства АРТМОССФЕРА, Центр современного искусства Винзавод. Москва, Россия