Работы современных известных художников

Хаим Сокол - художник, преподаватель Московской школы фотографии и мультимедиа им. Родченко, член редакционного совета Художественного журнала. Окончил Еврейский университет
в Иерусалиме и Институт проблем современного искусства в Москве. Лауреат профессиональной премии «Соратник» . Номинант премии «Инновация» и премии Кандинского.

Хаим Сокол создает произведения в жанрах инсталляции, скульптуры, видео. В своем творчестве он обращается к теме отчуждения, изоляции и разрушенных связей в современном мире.
Работая с архивными материалами и частными документами, художник открывает историю ХХ века сквозь призму частных судеб, исследует проблемы исторической памяти и современной социально-политической ситуации.

Персональные выставки Хаима Сокола прошли в Государственной Третьяковской галерее, в Московском музее современного искусства, ЦТИ «Фабрика», Stella Art Foundation, галереях М&Ю Гельман, «Триумф», Anna Nova. Участник многочисленных выставок в России и за рубежом, среди которых II Киевская биенналле (2015), I Индийская биенналле в Кочи-Музирис, Индия (2012), Mediations biennale (Познань, 2010), III Московская биеннале современного искусства (2009), II Биеннале современного искусства в Салониках (2009).

Работы автора находятся в Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, в Мультимедиа Арт Музее, в Государственном центре современного искусства, PERMМ, Музее современного искусства в Перми, Stella Art Foundation, Collection of Loushy: Arts&Projects, Тель-Авив, Израиль.

Художник из Нижнего Новгорода, исследующий формы культурной памяти и трансформации архетипических образов в современной культуре. В 2010 году начал работать как уличный художник, однако в последствии отошел от стрит-арта, сосредоточившись на художественных экспериментах в загородных пространствах, а также студийной работе. Основное внимание уделяет работе с исчезающим культурным ландшафтом, создавая рисунки на опустевших деревянных домах, а также масштабные site-specific инсталляции, не имеющие финальной версии и изменяющиеся под воздействием окружающей среды. Художник разработал уникальную систему знаков и образов, перетекающую из графических и тиражных работ в объекты и живопись на найденных деревянных досках.

Эдуард Гороховский родился в 1929 году в Виннице. В 1954 году окончил Одесский строительный институт по специальности «Архитектор». В 1968 году был принят в Союз художников СССР. В 1973 году он переехал в Москву. С 1991 году жил и работал в Москве и Оффенбахе-ам-Майне, Германия. Умер в 2004 году в Оффенбахе-ам-Майне.
О своем творчестве художник писал: «Я уже точно знаю, что не нужно заталкивать в картину великие идеи добра и зла. Я их оставляю за дверью мастерской, отделяя все жизненное от того, что связано с моей работой. Картина для меня - пластический объект. Моя забота - забота мастера-ремесленника: предельно виртуозно при помощи собственного метода, сообразно своим эстетическим воззрениям исполнить поставленную пластическую задачу. Я глубоко убежден, что именно эта разделенность художника и человека, где не путаются два начала и каждое из них совершенствуется по отдельности, приводит к таинственному их соединению в околокартинном пространстве в виде чего-то неосязаемого, но именно того, что делает картину картиной». (Источник Art4)

Художница, родилась и выросла в городе Казань, сейчас живет и работает в Москве.

Образование:
2021 - Арт-менторинг, интенсив MSCA
2019 - 2020 Современное искусство, дпо MSCА
2018 - Современное искусство, интенсив MSCA
2018 - по следам современного искусства, курс музея GARAGE
2012 - 2018 - Академия акварели и изящных искусств им. Андрияки

Получив академическое художественное образование автор сегодня активно использует актуальные современные приемы в живописи. Основным медиумом, с которым работает художница, является текстиль. Это ткани, ковры, грубая мешковина и вышивки, на которых она пишет в своей уникальной, авторской технике.
Ключевые темы интересов Эльмиры Сафиной - это исследование женского опыта и мышления, сформировавшихся в историческом и бытовом контексте, основываясь на взаимодействии женщины с окружающим миром.
Характерная особенность ее творческого подхода - это перенос жизненных историй в формат сказок, метафор и легенд. Художница трансформирует реальные истории своих героинь в сказочные. Это не путь упрощения авторского послания, а усложнение визуального знака посредством первичной символизации.
Сказка - это в первую очередь, выход за пределы рационального линейного мышления. Использование понятийных и сказочных интерпретаций приближает к пониманию ситуаций, с которыми сталкиваются ее героини в реальной жизни. Метафорический подход к анализу событий происходящих с героинями, позволяет рассматривать историю персонажей, как отдельный сложный путь сказочного героя.

Награды:
2023 - Лауреат премии им. Вайолет Тиллар
2021 - American Art Awards winner 1st place category Portrait
2021 - American Art Awards winner category Erotic

Серия работ «Сумки», представленных на сайте, посвящена женщинам - «челночницам». Это особый феномен, который возник в 90-е годы прошлого столетия, когда новая ситуация требовала быстро сориентироваться в меняющемся мире. Клетчатая ткань особого вида сумок «челночниц» - символ той эпохи, а грубая мешковина - знак суровой реальности, в которой оказывается женщина вместе со своим багажом.
Художница рассказывает эту историю в эстетике фольклора. На основании исследований структуры сказки она показывает, что именно сказка выступает медиатором между человеком и культурой. В своем творчестве Эльмира выходит за пределы рациональных конструктов, используя образы «волшебных помощников», облекает их в формы различных сказочных персонажей, перенося героиню в вымышленную сказочную ситуацию. Феномен «челночниц» и ее клетчатый мешок достоин обратить на себя внимание снова, в новом контексте, как памятник силе, стойкости духа и одновременно хрупкости российской женщины.

Эрик Булатов – одна из ключевых фигур современного российского искусства, один из реформаторов картины во второй половине ХХ века. Его становление
и известность в 1960 – 1980-х связаны с кругом нонконформизма, «другого искусства», в котором он воспринимался одним из авторитетов, наряду с ближайшими друзьями –
Ильей Кабаковым, Олегом Васильевым и другими. Имя Булатова принято ставить в основание таких стилистических направлений, как «поп-арт», «соц-арт» и
«фотореализм», но очевидно, что творчество художника ими не исчерпывается. Исключительное сочетание мастерства и аналитики сделало искусство Булатова узнаваемым во всем мире – в числе первых среди современных русских художников.
Эрик Владимирович Булатов родился 5 сентября 1933 года в Свердловске (ныне Екатеринбург), куда его отец на некоторое время был направлен по работе.
Булатов – москвич, семья его вернулась в столицу в 1936 году, где он живет с того времени (с 1989 по 1991 живет в Нью-Йорке, с 1991 по настоящее время – в основном в
Париже). В 1952 – 1958 годах учится в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова. На протяжении 1950-х годов регулярно общается с
Робертом Фальком и Владимиром Фаворским, которых считает своими учителями. С 1967 года – член союза художников СССР (как иллюстратор детских книг, над которыми
работает в соавторстве с Олегом Васильевым). В СССР практически не выставлялся (выставка в Курчатовском институте в 1964 году сразу закрыта властями, 1968 –
однодневная выставка в кафе «Синяя птица»). Первая персональная выставка – в 1988 году в Музее изобразительных искусств Цюриха, сразу после – в Центре Жоржа
Помпиду (первым среди русских современников). Булатов – участник Венецианской биеннале, Биеннале в Кванчжу (1997, премия). Его искусство неоднократно показано
персонально в европейских музеях. Наиболее масштабные выставки прошли в Государственной Третьяковской галерее (2006) и Московском Манеже (2014). Работы
Булатова находятся в десятках музейных и статусных частных коллекций по всему миру.

Юлия Ивашкина – художница нового поколения нулевых-десятых годов. Работает с различными медиа: живописью, графикой, создает объекты и звуковые инсталляции.
В своих произведениях Юлия проблематизирует производство и репрезентации воображаемых представлений. Первая персональная выставка Ивашкиной «Прислушиваясь в том и другом месте» прошла в рамках программы «Старт» Центра современного искусства «Винзавод» в Москве, в 2010 году. В этом проекте художница в сложно-сконструированной инсталляции исследовала пространства, которые формируются в воображении как отголоски несуществующего прошлого, образы утраченных или исчезнувших мест, образуя зыбкую границу между реальным миром и представляемым. Из происходящих событий на холстах длительного проекта «Интерьеры_N», в
названии которого акцентируется серийность, в 2012 году сформировалась выставка «В комнатах», представленная в галерее pop/off/art. Ранее несколько
работ из «Интерьеров _N» принимали участие в выставке Practice for Everyday Life, курируемой Иосифом Бакштейном и Дэвидом Торпом в 2011 в пространстве Calvert
22 в Лондоне. Работы художницы были включены в групповые выставки, проводимые в рамках III Московской биеннале современного искусства (2009) и II
Московской международной биеннале молодого искусства (2010), так же включены в шорт-лист венской премии Strabag Artaward International 2012. В 2019 в галерее
pop/off/art прошла выставка «Почувствуй дыхание новой архитектуры», где рассматривалось архитектурное конструирование, определяющее современную
жизнь, начиная с бесчеловечных построек новых жилых районов и их инфраструктуры до концептов креативной клеточной геометрии.
Юлия Ивашкина родилась в поселке Оловянная Читинской области в 1982 году. По причине того, что ее семья часто переезжала, начальное и последующее образование она получала в разных местах. Училась на живописном отделении в Тверском Художественном училище. Окончила художественно-графический
факультет МГГУ имени М. А. Шолохова в 2008 и Институт проблем современного искусства в 2009. Училась в Университете Уэльва (UHU). В 2015 году Юлия Ивашкина совместно с Сергеем Волдыковым и Сергеем Огурцовым организовали объединение […]Labs, которое работает со звуком, как с
художественным языком. Проект получил развитие в ЦТИ Фабрика благодаря тому, что стал лауреатом конкурса Фабричные мастерские IV.
Юлия Ивашкина живет и работает в Москве и Уэльве, Испания

Родилась и училась в Москве. После окончания МГУ работала главным редактором глянцевых журналов, запускала собственные медиа проекты, продюсировала съемки и мероприятия.

«Я сознательно отложила начало художественной карьеры, хотя с детства мечтала стать художником, пока не почувствовала, что мне есть что сказать. Довольно странное решение, ведь в арт-мире так ценится молодость, но это вполне осознанный выбор».

В своих рисунках использует образы, связанные с пространством ностальгии – старые гаражи, заброшенные деревянные одноэтажки, полуразрушенные деревни. Они представляют собой нечто, что одновременно было и не было, что словно разворачивается в границах сновидения. В работах Юлии Кернер можно увидеть различные аллюзии – отсылки к литературе и кинематографу (например, итальянскому неореализму), мировому изобразительному искусству и народной культуре.

Образование:

Художественная школа им. Репина
МГУ, факультет журналистики
МГУ, факультет психологии
НИУ ВШЭ, школа дизайна

Художница родилась в 2000 году, в г.Бор Нижегородской области.

Образование:
2007-2010 Школа искусств имени Ф.И.Шаляпина
2010-2016 Художественная школа
2018-2022 НТУ имени Е.А. Евстигнеева, театрально-декорационное отделение, преподаватель Е.И.Юсов

С 2023 года член Андерграундного треш - сообщества Нижнего Новгорода, а также резидент Мастерской Галереи 9Б.
Автор обращается к живописи, как способу коммуникации, одновременно предпринимая попытки найти общий язык с собеседником через отвлеченные образы, то обнаруживая абсурд и тщетность этих попыток, то замечая короткий успех, и при этом анализируя саму себя через письмо.
Её последний проект "soulmates" связан со сферой вебкама, в которую Юля погрузилась на несколько месяцев для перелома в её художественной практике через новый социальный опыт. Во время трансляций она занималась живописью, общаясь с аудиторией со всего мира, при этом отказываясь обнажаться. Так она создала серию холстов без эскизов, без отрыва от реальности, реагируя и проживая эмоции непосредственно во время создания работ, будто заполняя дневник. Холст как документация процесса самой жизни, запечатлел очень личное - аффекты, мысли, реакции, странные фразы, фетиши и истории пользователей и травмы, которые еще не утонули в глубинах памяти и легонько тлеют на ее поверхности. Так от ассоциативно-чувственной абстракции автор ушла к аналитическим картинам, которые вырастают и наслаиваются со временем, где она интуитивно встраивает в решетку полустертые фигуры, цветовые сигналы и шифры.
В настоящее время живет и работает в Нижнем Новгороде.

Юрий Злотников считается одним из первых абстракционистов периода «оттепели». Системный подход к организации художественного языка выделяет творчество Злотникова на фоне других проявлений абстракционизма в рамках неоавангарда, чем в некоторой степени наследует живописным системам В. В. Кандинского и П. Мондриана. Его работы оказали огромное влияние на развитие российского современного искусства второй половины XX века и начала нынешнего столетия. Он создал собственную «сигнальную систему», в которой сочетал художественный подход и научные методы.

Родился в Крыму в 1962 году.
В 1980 поступил в Краснодарское художественное училище, которое окончил с отличием.
В 1986 – 1992 учился в КХИ на факультете монументальной живописи. Начал экспонировать свои работы на художественных выставках с 1988. В 1990 – 1994 член киевской художественной группы «Парижская коммуна». В 1991 создал первую работу с использованием географической карты.
В 1997 – 1998 принимал участие во всемирной выставке «Картографы», которая состоялась в Музее современного искусства в Загребе (Хорватия).
В 1997 отмечен наградой «Золотое сечение» – «Художник года в области современного искусства» на Международном Арт-фестивале, который состоялся в Киеве.
Провел тринадцать персональных выставок, участник более тридцати групповых художественных выставок, в том числе «Дни культуры Украины во Франции», «Интервалы» в НХМУ (обе – 2000), Первый украинский проект на Венецианском биеннале (2001), а также многочисленных выставок и презентаций украинского искусства, которые состоялись в России, Польше, Венгрии. Австрии, Германии, Италии, Норвегии и др.
Работы опубликованы более чем в 20 каталогах и упоминаются в многочисленных изданиях. Работы хранятся в НХМУ, ГРМ в Петербурге, Музее университета Дюка в Северной Каролине (США), музее «Московский дом фотографии» в Москве, музее «Художественный центр Хени-Остенд Ховикоден» в Осло (Норвегия) и многочисленных частных собраниях. Несколько работ художника были куплены Аукционным домом «Филипс»..