Работы современных известных художников

Татьяна Чурсина родилась в 1985 г. в Подольске.
В 2010 г. окончила Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова, факультет живописи.
С 2010 г. - член Московского союза художников.
Награждена медалью Московского cоюза художников.
Участник выставок с 2004 г.

"Я работаю со станковой живописью, графикой, инсталляцией и керамикой. В своих работах я прежде всего говорю о своем отношении к окружению, пространству, о моей философии. Для меня пространство, где я восстанавливаюсь, нахожусь продолжительное время, предметы, свет — невероятно важны, я чувствую любовь, когда мой быт комфортен. О ней я рассказываю пластически, работая с пространством, ритмом, формой. Складки форм, композиционные решения и акцент на пустоте в формате для меня наиболее привлекательны и убедительны.
Главное, что меня сегодня интересует в работе — это касания, которые показывают не только границы форм, но и визуальный ритм моих движений. Пластический язык, материал и взаимодействие приемов волнуют меня не меньше, чем пустота между шкафом и окном. Отношения тональные и цветовые с нужным нажимом — мои инструменты. Мое окружение, повседневные дела, звуки, запахи и то, что висит в воздухе — серьезно определяет меня как личность и инстинктивно трансформируется на плоскости. Я верю, что любая рефлексия и использование личного отношения всегда будут базой креаторства, создания, а не потребления. Ведь яичница, приготовленная с личным отношением уже не будет просто пищей."

Работы, представленные на сайте - из серии "Любовь осьминогов и лягушки".
Эта серия о любви, о состоянии каждый день, о предметах, пространстве, воздухе. Любовь для автора - это быт, каждодневные дела, мысли и звуки.
Две части серии были представлены у автора в мастерской, которая превратилась в пространство, где живут они - осьминог и лягушка. Работы, предметы быта, постель - свидетельства их жизни и присутствия.
Третья часть показывала эти свидетельства в музее. Живопись, посуда, рисунки, которые показывали их существование: посуда, из которой они едят, живопись, которая у них дома.
Погружаясь в касания, пластическое мнение автора о том, как можно увидеть тишину и отсутствие, можно выстроить мир, в котором простота, воздух, ощущения главные в повседневности. Живопись, графика и керамика - медиумы.

Вообще цикл "Животные" - один из двух основных в работе художника. С помощью образов лошадей, собак, крокодилов автор говорит об отношении к миру, окружению и себе.

Татьяна Ян родилась в Москве в 1965 году. В 1987 окончила Московский Полиграфический институт (мастерская Дмитрия Бисти).

Первые творческие работы выполнены в технике офорта и литографии, в выставках участвовала также как график. С 1995 года активно экспонирует живописные работы. С тех пор прошло более тридцати персональных выставок Татьяны Ян,  она участвовала более чем в восьмидесяти групповых экспозициях в России и Европе.
Кроме станковой живописи, художник работает в сценических проектах: в 2001 году была художником спектакля Театра на Таганке «Сократ / Оракул», режиссер Юрий Любимов; в 2004-м написан большой живописный цикл «Семь слов Спасителя на Кресте» для музыкального перформанса на музыку Йозефа Гайдна (исполнение — Opus Posth, Татьяна Гринденко).
Татьяна Ян работает и как графический дизайнер, каждая ее книга – это концептуальный проект с уникальным авторским изобразительным рядом: «De Vita Sua» св. Григория Богослова, 2011, Греко-Латинский кабинет; двухтомник «Сады» Ольги Седаковой / Филиппа Жакоте, 2014, «Арт-Волхонка; «Песнь Песней и Книга Руфь» (не издана). Оформлены также книги: альбом «Наталья Глебова», 2010; «Круг: современное искусство Дагестана», 2001; Владимир Яковлев. Каталог, 1996 и др.
В 2005 году Татьяна Ян награждена Серебряной медалью Российской Академии художеств за цикл работ «Путь в Каппадокию».
Живет и работает в Москве.

Член Московского Союза художников с 1992г. (секция эстампа)
Член Творческого союза художников России.
Член ассоциации художников Фонд Тейлора (Tаylor Foundation), Париж

1980 Родился в Москве
2004 C отличием окончил Московский Государственный Академический институт (МГАХИ) им. В.И. Сурикова
2004–2005 Стипендиат Министерства Культуры РФ
2008 Награжден Золотой медалью Российской Академии Художеств за серию графических работ «Путешествие вокруг моей комнаты»
2013 Грант Президента РФ за лучший проект в области современного искусства
Кандидат искусствоведения, имеет научные публикации.

Тимур - разносторонний художник и фотограф. Рисованием увлекался с ранних лет, рисуя героев из любимых мультфильмов. Известность пришла благодаря граффити, которым он начал заниматься будучи школьником, в 1997 году. В 2003 увлекся фотографией, что позволило начать раскрывать творческий потенциал и в другом направлении.
На данный момент продолжает рисовать на улице, не забывая о бумаге и холстах.

Филипп Донцов – российский художник, скульптор, дизайнер, фотограф.
Родился в Санкт-Петербурге в 1972 году.
В 1994 Закончил Санкт-Петербургскую Государственную Художественно -Промышленную Академию им. Мухиной.
Живет и работает в Санкт-Петербурге.
В своих работах изучает проблемы человеческих отношений.

В 2005, 2007 году - участник спецпроектов 1-й и 2-й Московских биеннале.
В 2006 году – участник выставки Modus-R в Майами .
Работы художника представлены в Государственном Русском музее и Российской национальной библиотеке в Санкт-Петербурге, Kirsten Kear Museum, Denmark, а также в частных коллекциях.

Хаим Сокол - художник, преподаватель Московской школы фотографии и мультимедиа им. Родченко, член редакционного совета Художественного журнала. Окончил Еврейский университет
в Иерусалиме и Институт проблем современного искусства в Москве. Лауреат профессиональной премии «Соратник» . Номинант премии «Инновация» и премии Кандинского.

Хаим Сокол создает произведения в жанрах инсталляции, скульптуры, видео. В своем творчестве он обращается к теме отчуждения, изоляции и разрушенных связей в современном мире.
Работая с архивными материалами и частными документами, художник открывает историю ХХ века сквозь призму частных судеб, исследует проблемы исторической памяти и современной социально-политической ситуации.

Персональные выставки Хаима Сокола прошли в Государственной Третьяковской галерее, в Московском музее современного искусства, ЦТИ «Фабрика», Stella Art Foundation, галереях М&Ю Гельман, «Триумф», Anna Nova. Участник многочисленных выставок в России и за рубежом, среди которых II Киевская биенналле (2015), I Индийская биенналле в Кочи-Музирис, Индия (2012), Mediations biennale (Познань, 2010), III Московская биеннале современного искусства (2009), II Биеннале современного искусства в Салониках (2009).

Работы автора находятся в Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, в Мультимедиа Арт Музее, в Государственном центре современного искусства, PERMМ, Музее современного искусства в Перми, Stella Art Foundation, Collection of Loushy: Arts&Projects, Тель-Авив, Израиль.

Художник из Нижнего Новгорода, исследующий формы культурной памяти и трансформации архетипических образов в современной культуре. В 2010 году начал работать как уличный художник, однако в последствии отошел от стрит-арта, сосредоточившись на художественных экспериментах в загородных пространствах, а также студийной работе. Основное внимание уделяет работе с исчезающим культурным ландшафтом, создавая рисунки на опустевших деревянных домах, а также масштабные site-specific инсталляции, не имеющие финальной версии и изменяющиеся под воздействием окружающей среды. Художник разработал уникальную систему знаков и образов, перетекающую из графических и тиражных работ в объекты и живопись на найденных деревянных досках.

Эдуард Гороховский родился в 1929 году в Виннице. В 1954 году окончил Одесский строительный институт по специальности «Архитектор». В 1968 году был принят в Союз художников СССР. В 1973 году он переехал в Москву. С 1991 году жил и работал в Москве и Оффенбахе-ам-Майне, Германия. Умер в 2004 году в Оффенбахе-ам-Майне.
О своем творчестве художник писал: «Я уже точно знаю, что не нужно заталкивать в картину великие идеи добра и зла. Я их оставляю за дверью мастерской, отделяя все жизненное от того, что связано с моей работой. Картина для меня - пластический объект. Моя забота - забота мастера-ремесленника: предельно виртуозно при помощи собственного метода, сообразно своим эстетическим воззрениям исполнить поставленную пластическую задачу. Я глубоко убежден, что именно эта разделенность художника и человека, где не путаются два начала и каждое из них совершенствуется по отдельности, приводит к таинственному их соединению в околокартинном пространстве в виде чего-то неосязаемого, но именно того, что делает картину картиной». (Источник Art4)

Художница, родилась и выросла в городе Казань, сейчас живет и работает в Москве.

Образование:
2021 - Арт-менторинг, интенсив MSCA
2019 - 2020 Современное искусство, дпо MSCА
2018 - Современное искусство, интенсив MSCA
2018 - по следам современного искусства, курс музея GARAGE
2012 - 2018 - Академия акварели и изящных искусств им. Андрияки

Получив академическое художественное образование автор сегодня активно использует актуальные современные приемы в живописи. Основным медиумом, с которым работает художница, является текстиль. Это ткани, ковры, грубая мешковина и вышивки, на которых она пишет в своей уникальной, авторской технике.
Ключевые темы интересов Эльмиры Сафиной - это исследование женского опыта и мышления, сформировавшихся в историческом и бытовом контексте, основываясь на взаимодействии женщины с окружающим миром.
Характерная особенность ее творческого подхода - это перенос жизненных историй в формат сказок, метафор и легенд. Художница трансформирует реальные истории своих героинь в сказочные. Это не путь упрощения авторского послания, а усложнение визуального знака посредством первичной символизации.
Сказка - это в первую очередь, выход за пределы рационального линейного мышления. Использование понятийных и сказочных интерпретаций приближает к пониманию ситуаций, с которыми сталкиваются ее героини в реальной жизни. Метафорический подход к анализу событий происходящих с героинями, позволяет рассматривать историю персонажей, как отдельный сложный путь сказочного героя.

Награды:
2023 - Лауреат премии им. Вайолет Тиллар
2021 - American Art Awards winner 1st place category Portrait
2021 - American Art Awards winner category Erotic

Серия работ «Сумки», представленных на сайте, посвящена женщинам - «челночницам». Это особый феномен, который возник в 90-е годы прошлого столетия, когда новая ситуация требовала быстро сориентироваться в меняющемся мире. Клетчатая ткань особого вида сумок «челночниц» - символ той эпохи, а грубая мешковина - знак суровой реальности, в которой оказывается женщина вместе со своим багажом.
Художница рассказывает эту историю в эстетике фольклора. На основании исследований структуры сказки она показывает, что именно сказка выступает медиатором между человеком и культурой. В своем творчестве Эльмира выходит за пределы рациональных конструктов, используя образы «волшебных помощников», облекает их в формы различных сказочных персонажей, перенося героиню в вымышленную сказочную ситуацию. Феномен «челночниц» и ее клетчатый мешок достоин обратить на себя внимание снова, в новом контексте, как памятник силе, стойкости духа и одновременно хрупкости российской женщины.

Эрик Булатов – одна из ключевых фигур современного российского искусства, один из реформаторов картины во второй половине ХХ века. Его становление
и известность в 1960 – 1980-х связаны с кругом нонконформизма, «другого искусства», в котором он воспринимался одним из авторитетов, наряду с ближайшими друзьями –
Ильей Кабаковым, Олегом Васильевым и другими. Имя Булатова принято ставить в основание таких стилистических направлений, как «поп-арт», «соц-арт» и
«фотореализм», но очевидно, что творчество художника ими не исчерпывается. Исключительное сочетание мастерства и аналитики сделало искусство Булатова узнаваемым во всем мире – в числе первых среди современных русских художников.
Эрик Владимирович Булатов родился 5 сентября 1933 года в Свердловске (ныне Екатеринбург), куда его отец на некоторое время был направлен по работе.
Булатов – москвич, семья его вернулась в столицу в 1936 году, где он живет с того времени (с 1989 по 1991 живет в Нью-Йорке, с 1991 по настоящее время – в основном в
Париже). В 1952 – 1958 годах учится в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова. На протяжении 1950-х годов регулярно общается с
Робертом Фальком и Владимиром Фаворским, которых считает своими учителями. С 1967 года – член союза художников СССР (как иллюстратор детских книг, над которыми
работает в соавторстве с Олегом Васильевым). В СССР практически не выставлялся (выставка в Курчатовском институте в 1964 году сразу закрыта властями, 1968 –
однодневная выставка в кафе «Синяя птица»). Первая персональная выставка – в 1988 году в Музее изобразительных искусств Цюриха, сразу после – в Центре Жоржа
Помпиду (первым среди русских современников). Булатов – участник Венецианской биеннале, Биеннале в Кванчжу (1997, премия). Его искусство неоднократно показано
персонально в европейских музеях. Наиболее масштабные выставки прошли в Государственной Третьяковской галерее (2006) и Московском Манеже (2014). Работы
Булатова находятся в десятках музейных и статусных частных коллекций по всему миру.