Kristina Ptiza (Кристина Сергеевна Афанасьева) родилась в 1983 году в г.Ленинград.

Образование:
2011 - Диплом о высшем профессиональном образовании по специальности «Культурология» Санкт-Петербургского государственного университета (СПбГУ, Философский факультет)
2016 - настоящее время: студия живописи ArtYouLoveStudio художника Динары Хёртнагль (Dinara Hörtnagl)
2020 – курс Contemporary art в Школе SKVOT

Основные вопросы, интересующие художника, связаны с советским массовым строительством конца 50-ых – начала 90-ых гг.: «хрущёвка», «ленинградский корабль» и другие серийные «панельки». Передовые для того времени строительные технологии изменили облик советских городов и жизнь миллионов людей. Новая эстетика урбанизма соединилась с многообразием эстетических и этических предпочтений конкретных людей – эти идеи представляют для автора главный интерес и воплощаются в работах серий «Личное пространство» и «Поколение».

В работах из проекта "Личное пространсто" автор преимущественно исследует тему позднесоветского массового строительства 60-90-ых гг. - так называемый «второй авангард»: ленинградский корабль, хрущёвка, брежневка и др. В картинах художника массовая советская застройка представлена не как «одинаковые бетонные коробки», но как маленькие личные пространства,в которых течёт маленькая жизнь, как проявление внутреннего стремления человека к преобразованию личного пространства, отражение творческих потенций каждого человека, индивидуальных эстетических и этических воззрений. Строгие линии жилой архитектуры и её конструктивная утилитарность бесконечно и вариативно дополняются жизненными деталями. Эти идеи отражены в серии работ «Личное пространство», выполненных акрилом на холстах.

Работы серии «Поколение» продолжают исследование основной темы, начатой автором в более ранней серии «Личное пространство»: типовая советская, преимущественно ленинградская застройка. Фокус работ смещается к небольшим пространствам, даже фрагментам типовых пространств, линии и светотени которых привычны миллионам людей. «Старые микрорайоны нового города», - эстетическая, этическая среда, в которой выросло поколение. Задача автора – поиск интимного в типовом, личных ассоциаций в одинаковом. Работы выполнены акрилом на фигурных холстах.

В серии «Коробка» автор обращается к опыту эмоционального и чувственного освоения пространства: бетонная коробка – будущее жилище – пространство, полное потенций и смыслов. Стены до и после человека, пустующие пространства, способные превратиться в дом. Работы серии с общим названием «Коробка» выполнены акрилом на небольших холстах, исследуют вопросы эмоционального и чувственного освоения простого типового пространства «бетонной коробки», «коробки с дыркой», «квартиры без отделки» - мысленного превращения бетонных конструкций в «дом». Появление личного пространства от «голубой мечты» до «дома», в котором мы встречаем все свои закаты и рассветы – волнительное событие в жизни человека. Камерный характер работ – небольшой формат и сдержанная палитра – выбран с целью подчеркнуть интимность происходящих психических процессов.
Основная техника работ – живопись акрилом на холсте. Этот материал интересен автору своими возможностями в плане формирования живописной поверхности – от создания объёмных эффектов, пастозности до работы тонкими слоями, в акварельной технике, возможностью включения в работу дополнительных материалов (фольга, серпянка, бумага и других).
Автор живет и работает в Санкт-Петербурге.

Татьяна Чурсина родилась в 1985 г. в Подольске.
В 2010 г. окончила Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова, факультет живописи.
С 2010 г. - член Московского союза художников.
Награждена медалью Московского cоюза художников.
Участник выставок с 2004 г.

"Я работаю со станковой живописью, графикой, инсталляцией и керамикой. В своих работах я прежде всего говорю о своем отношении к окружению, пространству, о моей философии. Для меня пространство, где я восстанавливаюсь, нахожусь продолжительное время, предметы, свет — невероятно важны, я чувствую любовь, когда мой быт комфортен. О ней я рассказываю пластически, работая с пространством, ритмом, формой. Складки форм, композиционные решения и акцент на пустоте в формате для меня наиболее привлекательны и убедительны.
Главное, что меня сегодня интересует в работе — это касания, которые показывают не только границы форм, но и визуальный ритм моих движений. Пластический язык, материал и взаимодействие приемов волнуют меня не меньше, чем пустота между шкафом и окном. Отношения тональные и цветовые с нужным нажимом — мои инструменты. Мое окружение, повседневные дела, звуки, запахи и то, что висит в воздухе — серьезно определяет меня как личность и инстинктивно трансформируется на плоскости. Я верю, что любая рефлексия и использование личного отношения всегда будут базой креаторства, создания, а не потребления. Ведь яичница, приготовленная с личным отношением уже не будет просто пищей."

Работы, представленные на сайте - из серии "Любовь осьминогов и лягушки".
Эта серия о любви, о состоянии каждый день, о предметах, пространстве, воздухе. Любовь для автора - это быт, каждодневные дела, мысли и звуки.
Две части серии были представлены у автора в мастерской, которая превратилась в пространство, где живут они - осьминог и лягушка. Работы, предметы быта, постель - свидетельства их жизни и присутствия.
Третья часть показывала эти свидетельства в музее. Живопись, посуда, рисунки, которые показывали их существование: посуда, из которой они едят, живопись, которая у них дома.
Погружаясь в касания, пластическое мнение автора о том, как можно увидеть тишину и отсутствие, можно выстроить мир, в котором простота, воздух, ощущения главные в повседневности. Живопись, графика и керамика - медиумы.

Вообще цикл "Животные" - один из двух основных в работе художника. С помощью образов лошадей, собак, крокодилов автор говорит об отношении к миру, окружению и себе.

Владимир Дубосарский (1964) - современный российский художник. С 1994 года работает в арт-дуэте совместно с Александром Виноградовым.

Владимир Дубосарский родился в Москве 8 января 1964 года. В 1980-84 учился в Московском художественном училище памяти 1905 года, в 1988-91 в Московском государственном художественном институте имени В. И. Сурикова. В 1994 году вступил в Московский союз художников.

В 1991-93 гг. работы Дубосарского выставлялись в Галереи в Тpехпpудном переулке. В тех же годах Дубосарский принимает участие в ряде перфомансов (например, "Вся Москва", совместно с А. Тер-Оганьяном и А. Горматюком, 1992). В 1994 году начал работать в соавторстве с Александром Виноградовым. В настоящее время работы художников находятся в собраниях крупнейших музеев мира (Государственной Третьяковкой галереи (Москва), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Московского музея современного искусства, Центра Жоржа Помпиду (Париж), Музея современного искусства (Авиньон), Музея изобразительных искусств (Хьюстон) и др.).
Творчество дуэта Дубосарский-Виноградов отличает использование традиционных для живописи форм в рамках актуального искусства. Художники работают на грани китча и концептуализма, они пишут картины большого формата, которые на первый взгляд кажутся продолжением традиции советского реализма, но при этом обладают концептуальным посылом. В интервью Милене Орловой для проекта М. Гельмана "Динамические пары" Дубосарский так прокомментировал первоначальный замысел: "Это сразу было задумано как проект, поставленный в определенные рамки. С одной стороны - это как бы русский, отечественный проект, внутри которого - язык русской живописи, а с другой стороны - западные стратегии. У нас любую бумажку, любую технологию надо объяснять. Картина - это можно объяснить. Мы взяли язык реализма, понятный всем. Противопоставили себя концептуализму, который был в силе (когда в 1994 году мы только начинали), где все было очень умное. В концептуализме подтекст был важнее, чем текст. У нас наоборот - контекст не важен, важнее, чтобы текст был сразу понятен. В противоположность радикалистам - Осмоловскому, Бренеру, Кулику (именно они были звездами в 1993), наше искусство тоже как бы агрессивно, но агрессивно внутри картины. Оно все время говорит - я не жизнь, а искусство, ограниченное определенными рамками. Внутри - как бы позитивные ценности (райские женщины, фрукты, цветы, животные, книги), добрые. А агрессивность картин была в том, что они были большие и их было много. Если бы нас было человек десять, мы забили бы их объемами".
В 2002 году Владимир Дубосарский стал инициатором и идейным руководителем фестиваля «Арт-Клязьма». В 2007 году дуэт Дубосарский-Виноградов был удостоен премии в области современного искусства «Соратник». В 2013 в Московском музее современного искусства Владимир Дубосарский представил перформанс «Хроники 13», в рамках которого на протяжении 14 дней создавал свои произведения в залах музея. В 2014 году состоялась персональная выставка Дубосарского «Дом художника» на берегу Клязьминского водохранилища в месте проведения фестиваля «Арт-Клязьма».
В сентябре 2018 года Владимир Дубосарский организовал перформанс в Удмуртском Республиканском Музее изобразительных искусств (Ижевск). В рамках фестиваля «Ижевск.Да» художник в присутствии публики писал картину Аркадия Пластова «Вести из Кореи».

Александр Косолапов - живописец, график, скульптор. Один из классиков соц-арта.
Родился в 1943 году в Москве. Учился в Московской средней художественной школе при художественном институте им. В.И. Сурикова. С 1962 по 1968 год проходил обучение на факультете монументальной скульптуры в Московском высшем художественно-промышленном училище (ныне Московская государственная художественно-промышленная академия имени С. Г. Строганова).
До 1974 года жил в Москве и работал вместе с художниками Леонидом Соковым и Борисом Орловым, был известен как классик московского концептуализма. Первые объекты в стилистике поп-арта были созданы в период с 1972 по 1974 год, тогда же Косолапов работал над произведениями с социальной коннотацией.
В 1975 году одним из первых художников круга соц-артистов эмигрировал в Нью-Йорк. Этот период его творчества связан с концептуалистским анализом культурных кодов, мифов и фетишей, определяющих сознание рядового советского человека и типичного американца. Художник обнаружил в головах жителей разных полушарий настолько много общего, что счел возможным смешивать в своих новых работах политическую, медийную и даже религиозную символику обеих культур. Этот творческий метод, характерный еще для поп-арта и впоследствии заимствованный соц-артом, как бы получил второе дыхание в провокационных работах Александра Косолапова, зачастую вызывающих настоящие скандалы. (В России такие работы Косолапова, как «Икона-Икра», и цифровые плакаты с образом Христа и логотипами Coca-Cola и «Макдоналдса» стали предметом ожесточенных нападок со стороны представителей РПЦ и групп религиозных экстремистов. По рассказам коллекционера Игоря Цуканова, «Икона-Икра» – фотоколлаж: пустой оклад, наложенный на поле, сплошь заполненное черной икрой – стала поводом для обвинения художника в «разжигании религиозной ненависти», а саму работу по требованию православных активистов сняли с выставки «Русский поп-арт» в Новой Третьяковке в 2005 году. Работа Александра Косолапова «Моя плоть» (2002) во время ярмарки «АртМосква -2005», проходившей в ЦДХ, была уничтожена воинствующим религиозным фанатиком. «Икона-Икра» была снова выставлена на выставке «Запретное искусство – 2006», после чего кураторы проекта Андрей Ерофеев и Юрий Самодуров были осуждены и приговорены к крупным штрафам. Ранее, в 1982 году, корпорация Coca-Cola противостояла экспонированию в США проекта Косолапова «Ленин и Coca-Cola» (1982). Как пишет американский арт-критик и поэт Картер Рэтклифф, «судя по переписке… в компании опасались, что, увидев работу художника, потребители заподозрят Coca-Cola в пропаганде коммунизма»… Когда в том же 1982-м в Нью-Йорке «страдавшие» по Малевичу «пересмешники» готовились к перформансу, посвященному годовщине Октябрьской революции, на фасад модного пространства The Kitchen повесили другой плакат – «Да здравствует диктатура пролетариата». Прибывшие на место обеспокоенные агенты ФБР, однако, быстро ретировались, заметив, что дело касается художественной акции.
Художник принимал участие в коллективных проектах крупнейших музеев и известнейших галерей мира: Центр Помпиду, Париж; Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк, Новый музей, Нью-Йорк; Государственная Третьяковская галерея, Москва, Государственный исторический музей, Москва; Saatchi Gallery, Лондон и других.
Живопись и скульптура Александра Косолапова находятся в коллекциях Московского музея современного искусства, Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Музея Альбертина (Вена, Австрия), MoMA (Нью-Йорк), Нью-Йоркской публичной библиотеки, Галереи Себастьяна Бертрана (Женева, Швейцария) и многих других, а также в частных собраниях Арно Сарада (Париж, Франция), Владимира и Екатерины Семенихиных, Дмитрия Аксенова, Игоря Цуканова, Стеллы Кесаевой, Шалвы Бреуса.

Айдан Таировна Салахова — советский и российский живописец, скульптор, галерист и общественный деятель, педагог, профессор. Заслуженный деятель искусств Российской Федерации.
Родилась 25 марта 1964 года в Москве. Отец — Таир Теймур оглы Салахов и мать — Ванцетта Мухитдиновна Ханум — художники.
В 1987 году экстерном окончила Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова.
В конце 1980-х становится одним из наиболее заметных художественных деятелей нового поколения на постсоветском пространстве и входит в историю как создатель «Первой галереи» (1989), а затем «Айдан Галереи» (1992). За последние два десятилетия «Айдан галерея» стала одной из ведущих московских галерей, а Салахова — широко известным в России и мире художником.
Академик РАХ (2007; член-корреспондент 2002). Член Союза художников СССР с 1988 года.
Искусство Салаховой получило признание не только на российской арт-сцене, но и зарубежном. Айдан — участник ключевых международных ярмарок и биеннале, в том числе Венецианской биеннале современного искусства (1991, 2011), 2-й Международной Московской биеннале современного искусства (2007) и др. В своих работах Салахова исследует темы взаимодействия Востока и Запада, тему мужского и женского начала в контексте Ислама, вопросы запретов, эзотерики и красоты.
Работы Айдан Салаховой находятся в частных и государственных собраниях, в том числе Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, Фонда культуры «Екатерина», Francois Pinault Foundation, Teutloff Museum; в частных коллекциях И. Халилова, П.-К. Броше, Т. Новикова, В. Некрасова, В. Бондаренко и других.
Регулярно входит в список Топ-50 самых влиятельных лиц в российском искусстве по версии журнала «Артхроника».

Искоских Светлана Игоревна, творческий псевдоним #iskosmosa.

Родилась на Урале в 1988 году, сейчас живет и работает в Москве.

Начала рисовать в детстве, с отличием окончила детскую художественную школу. Затем училась на архитектора в “Уральской государственной архитектурно-художественной академии”, получив степень бакалавра и магистра в области архитектуры.
В течение 5 лет работала в офисе архитектором, занимаясь проектированием зданий и интерьеров домов, однако целью своей жизни Светлана выбрала живопись и ничуть не жалеет об этом.
Сейчас она полностью посвящает себя живописи - это ее основная работа.

Профессиональное образование дает художнику представление о том, какие произведения искусства больше подходят для современного интерьера. Ее вдохновением является человеческое тело, дети и философские темы. В своих картинах она пытается передать чувства через цвета и образы. В последние годы в ее творчестве было много поворотов: от абстракционизма к реалистической живописи.

Последняя серия работ “Подростки”, рассказывающая о чувствах, которые мы давно забыли.

Светлана сотрудничает со многими дизайнерами интерьеров, помогая им с подбором картин в их проекты. Она постоянно изучает тренды и модные тенденции в изобразительном искусстве и дизайне, чтобы использовать их в своей работе.

Вдохновением для ее творчества служат работы: Лю Е, Владимира Дубосарского, Ричарда Серра, Александра Дайнека.

Художник Александр Зайцев родился 21 июля 1986г. в Калининградской области.
До 30 лет жил в Самаре. С 2017 года живет и работает в Москве.
Окончил Самарский технический университет, машиностроительный факультет, а также Самарский архитектурно-строительный университет,факультет дизайна.
Работал архитектором, дизайнером, преподавателем в Самарском Архитектурно-строительном университете (факультет дизайна, кафедра инновационного проектирования), проектировщиком пространств, музейным дизайнером (Музей Модерна).
В настоящее время является координатором Фонда поддержки современного искусства «СФЕРА».

Ольга Афанасиади - современный экспериментальный художник, который работает в жанре «Абстракция».
Ольга Афанасиади родилась в 1988 г. на Урале (г. Екатеринбург), там же училась в художественной школе.
В 2011 г. переехала в Санкт-Петербург, где посещала мастерские и студии преподавателей Академии им. Барона Штиглица, а также мастерскую Николая Сычева, резидента Арт-центра «Пушкинская 10».

Образование
Санкт-Петербургская Государственная академия искусства и дизайна имени Штиглица

Профессионально занимается творчеством с 2012 г., с конца 2019 г. - работает как абстрактный художник-экспериментатор. За последние 3 года своей творческой деятельности создала около 10 серий абстрактных работ, посвящённых теме «Природные формы».

“В своем искусстве я исследую природу и ее формы, а также энергетические процессы и связи между ними.
Природа многообразна в своих проявлениях - она циклична и имеет свои ритмы и сезонность, в каждом из них есть свои особенности, которые можно и увидеть, и почувствовать. Эти аспекты я стараюсь показать в своих работах. По этой причине, помимо холста, я использую акрил, песок, кофе, дерево, текстиль, камни и минералы.
Если создание творческих работ на больших холстах в смешанной технике - это эксперимент в рамках концепции, то создание текстильных коллажей - это чистая медитация в рамках концепции, это про тактильность и гармонию. Композиции с камнями отражают идею связи с землей, влияния энергии гравитации на земные объекты и т.д.»

Анастасия Полякова родилась в 1989 году.
1999-2006гг. Окончила Московский Академический Художественный Лицей при Российской Академии Художеств
2006-2009гг. Училась в МГАХИ им. Сурикова
2009-2011гг. Училась в РАТИ ГИТИС на факультете сценографии
2012-2013гг. Прошла курс декораторов на киноконцерне Мосфильм
2016-2017гг. Окончила Британскую Высшую школу Дизайна факультет «Театральный Дизайн»

Проводит мастер-классы и художественные практики с детьми, оформляет спектакли. График и живописец.

Представленная на сайте серия музыкальных абстракций родилась на фоне внутренних озарений, связанных с избавлениями от предрассудков о методах творчества и субъективных ограничений автора. Исследуя свой внутренний мир, художник обнаружила, что пыталась следовать узким академическим установкам, предметности, которая словно захламляла процесс работы и вынуждала
спотыкаться о жанр, светотень, построение объектов и прочие прикладные критерии.
В этой серии Анастасия разрешила себе опираться исключительно на внутренние желания, позволяя интуиции, а не логике управлять
процессом.
Настя очень любит электронную музыку, театр и фестивальные мероприятия. Сложная совокупность визуальных и тактильных ощущений, возникающая от сочетания звуков, света и танца — это пульсирующая магия, знакомая человечеству с древнейших времен. В серии абстракций автор использовала синестезию и интуицию, передавая свой эмоциональный и физический опыт от ритма, пульсации, дребезжания или плавного течения звуков музыки.

Живет и работает в Москве.

Александр Войнов-Черноок родился в городе Екатеринбург Свердловской области.

В 2022 году окончил Екатеринбургскую академию современного искусства.

В 2018 году в Екатеринбурге Александр принял участие в групповом серийном выставочном проекте «О, Боги! и Алтарь Гарри Поттера», в котором представил свои первые скульптуры.

Следующая выставка «О, Боги! Часть 2. Бессмертные и Супрематический Алтарь красного Ленина» состоялась в 2019 году при поддержке Партизанской галереи современного искусства Chun-Chun Gallery в пространстве «Резиденция». Выставка носила альтернативный характер основной программе уральской биеннале современного искусства.

Скульптурная серия «Dorum Rex Midas», представленная на сайте, является своеобразным посвящением выдающемуся Джексону Поллоку - идеологу и лидеру течения абстрактного экспрессионизма, который в 1947 году придумал «льющуюся технологию» создания своих картин путём хаотично-подсознательного разбрызгивания красок на холст. Александру она показалась любопытной для создания экспериментальной серии скульптур, вдохновившей его на применение этой технологии для работы с жидким металлом. В тоже время, ряд арт-критиков, видевших скульптуры, нашли в них очертания солнечных протуберанцев, застывший всплеск раскаленной звёздной плазмы или же силуэты золотых скифских артефактов, их анималистические мотивы.
Неслучайно, совокупность всех этих ассоциаций подарило название «Dorum Rex Midas», ибо автора впечатлил трагичный и в чём-то житейско-ироничный эпос о царе Мидасе и его восхитительном и вместе с тем саморазрушительном даре.

На данный момент автор живет на три города: Екатеринбург-Сочи-Москва.