Работы современных известных художников

Александр Меламид - художник-концептуалист, автор перформансов, живописец

Александр родился в Москве, в семье историка-германиста Даниила Меламида (1916-1993) и публициста и переводчика Людмилы Чёрной.
В 1963 году будущий художник поступил в Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское), где познакомился с Виталием Комаром.

В 1967 совместно с Виталием Комаром проходит первая выставка Меламида в кафе «Синяя птица», а уже в 1972-1973 гг. художники создали серию картин «соц-арт», которая послужила началом нового направления в современном искусстве, ими также был написан «Манифест соц- арта». С этого момента авторы начали работать совместно, возник союз Комар и Меламид (К&М), который стал ключевой фигурой в неофициальной культурной жизни Москвы.

В 1974-ом К&M стали участниками и сыграли важную роль в организации «Бульдозерной выставки» в Москве, а в 1976 прошло открытие первой зарубежной выставки «Цвет великая сила» в галерее Роланда Фельдмана в Нью-Йорке, которая стала возможна благодаря влиянию родителей А. Меламида
Спустя три года вместе с семьей Александр эмигрировал в Иерусалим, а в то же время в New York Times вышла статья с описанием перформанса «Москва-Иерусалим».

В 1978 случился переезд в Нью-Йорк и первая выставка K&M в Музее Уодсворт Атенум, штат Коннектикут.
Вместе с этим происходит основание корпорации Komar & Melamid, Inc., занимающейся покупкой и продажей душ. В этом же году Энди Уорхол пожертвовал корпорации свою душу.

1979 - Посещение выставки Йозефа Бойса в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, экспозиция произвела большое впечатление на художника.
1980 - Меламид переехал в Нью Джерси, продолжая работать с Комаром в нью- йоркской студии

В 1981-1983 годах Меламида и Комара охватил успех в Нью Йорке. Широкий резонанс получила серия живописных полотен «Ностальгический реализм». Музей современного искуства в Нью-Йорке (МОМА) и Метрополитен-музей купили картины K&M в свои коллекции

В 1987 художники K&M приглашены к участию в Documenta в Касселе, а уже в 1988-ом К&М получили американское гражданство. Их работы приобретает Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк

В 1994 году был проведен один из самых известных проектов, сделанных художниками в США - «Выбор народа» (People’s Choice): серия картин, сделанная на основе социологических опросов на тему «самая идеальная и ужасная картина, которую хочет видеть население разных стран»
1995 - Начало проекта «Эколлаборации», обучение слонихи Рене живописи в зоопарке Толедо, штат Огайо. Школа живописи для безработных слонов Тайланда
1999 - Участие в Венецианской биеннале, в Русском павильоне показаны проекты с живописью слонов и фотографии с обезьяной Микки
Но в 2003 Творческий дуэт распался, из-за чего цены на работы после отказа от trademark К&М сразу пошли вверх.


Все же в 2008 году стартует первая персональная выставка Александр Меламида “Holy Hip Hop!” в Музее современного искусства в Детройте, где он представил серию крупномасштабных портретов хип-хоп исполнителей, исполненных в традициях живописи старых мастеров. С тех пор он стал называть себя “born again artist”

В 2009 году аукцион Phillip de Pury организовал выставку картин Александра Меламида в галерее Саатчи. Были показаны 15 монументальных полотен с портретами героев времени: американских хип-хоп исполнителей, римских священнослужителей и российких олигархов.

В 2011 Александр Меламид открыл в Нью-Йорке маленькую клинику лечения искусством Art Healing Ministry, где можно полечиться водой, заряженной Боттичелли, стельками для обуви с автопортретом Ван Гога, и где пациенту предлагается лечение изображениями шедеврами из истории искусства, проецируемыми на человеческое тело. В 2019 в Москве открылась первая крупная ретроспектива «KOMAR&MELAMID» в Московском музее современного искусства (ММОМА), куратор Андрей Ерофеев. В этом же году, первые за последние 40 лет, Александр Меламид создает проект на территории России: хулиганская живопись под названием «Русская Версия Абстрактного экспрессионизма». Пишет полотна в специальной мастерской, построенной для него на территории Галереи JART, и презентует их на арт-шоу DA!Moscow в Гостином Дворе.

Также в Москве открывает выставку «I’m - GOD!» в Галерее JART громким перформансом с исчезновением и причащением абсентом. С этого начинается турне по странам с программой «I’m - GOD!». Следующая точка турне - галерея Марата Гельмана в Черногории.

Александр Панкин – значительный московский художник, представитель «другого искусства», непрерывно эволюционирующий на протяжении более сорока лет. Он
известен как создатель собственной, оригинальной версии абстракции, в последние полтора десятилетия развернутой в форму художественно-аналитического исследования, связанной с проблематикой классического авангарда и новейших достижений теоретической науки.
Александр Панкин родился в 1938 году в Москве в семье инженера-строителя, владевшего акварельной техникой и ставшего первым учителем художника. В 1963
году он окончил Московский Архитектурный институт, параллельно занимаясь изобразительным искусством. С 1971 он является членом Союза архитекторов России.
В 1970-х – начале 1980-х он работал в студии «Новая реальность», возглавляемой Э.Белютиным, и в эти годы его творчество было направлено на поиск новой
фигуративности. С начала 1990-х годов Панкин занимается изобразительной программой «Малевич и визуальной мышление», а в дальнейшем – «мета-абстракция»
в живописи, графике, объекте и инсталляции, посвященной реализации математических объектов в пространстве искусства. Александр Панкин – автор более тридцати персональных выставок, в том числе в Московском музее современного искусства (2019, Москва). Его работы находятся в собраниях Государственной
Третьяковской галереи (Москва), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург),
Государственного Центра современного искусства (Москва), в ряде региональных музеев России, отечественных и зарубежных частных собраниях.
Живет и работает в Москве.

Александр Савко — известный российский художник, заметная фигура современной московской художественной жизни последних 20–30 лет. У Савко свой узнаваемый стиль, своя тема, свой характерный метод. Он работает с поэтикой абсурдизма, оперирует образами массовой культуры, медийного мусора, мультяшного мира, где все герои — супер. Его работы — это своего рода визуальные оксюмороны, в которых сталкиваются несовместимые образы. Например, герои популярных мультсериалов — Микки-Маус, Шрек, Симпсоны и другие, уже захватившие медийное пространство, вторгаются в поле традиционной культуры, внедряются в композиции известных картин.

Работы Савко — генераторы когнитивного диссонанса, остроумная и даже опасная игра, напоминающая не только о болезнях информационного общества, но и об истории искусства. В своих парадоксальных и, казалось бы, комедийных работах художник выступает скорее как иронический свидетель современности — он говорит о беспрецедентной агрессии массовой культуры, нашествии «гламурятины», диагностирует запредельную эклектичность современного сознания. Но делает это он блестяще и остроумно.

Родился в 1970 в городе Краснодаре. В 1986 окончил Краснодарское художественное училище. В 1996 — выпускник Московского Государственного Художественного Академического института им. В.И. Сурикова. Обучался в мастерской Н.И. Андронова. С 1996 участвовал в многочисленных выставках в Москве и за рубежом. Провёл более 20 персональных выставок в России, Франции, Германии, Великобритании, Швейцарии и Гонконге. Автор 10 монументальных проектов-росписей в Москве и на Чукотке. Участвовал в аукционах "Vladey" (Москва) и в аукционе современного искусства «Мост» (Краснодар). В октябре 2016 открыл персональную выставку в "Wolfson College" Cambridge. Работы находятся в музеях и частных коллекциях: Новосибирский художественный музей, музей Абрамцево, ГЦСИ Владикавказ, в Белгородском художественном музее, в собрании "Wolfson College" Cambridge, Natianal Bank of Iceland, Raiffeisen Bank, Clifford Chans, Deutsche Bank (Germany), Standard&Poor`s; в коллекции посла Исландии, Японии и США; в частных коллекциях США, Франции. Галереи: Nadja Brykina Gallery AG (Цюрих), ArtSpace Кембридж (Великобритания), «Роза Азора» (Москва), галерея "Vladey" (Москва), EastMeetsWestGallery (Москва), "Must Art Gallery" (Москва).

Творчество Гросицкого связано с отечественным нонконформизмом. Его стилистика и позиция сформировались в 1960-х годах в кругу художников московского андеграунда, таких как Илья Кабаков, Эрик Булатов, Иван Чуйков, Борис Турецкий, Юрий Злотников. Отдав вначале дань сезаннизму и метафизическому искусству, с начала 70-х он вырабатывает собственный пластический язык, строящийся на соотношении пространства и предмета. Предмет, как правило, единичный, выразительный, балансирующий на стыке гиперреализма и фантазии, становится центральным мотивом его произведений, создаваемых как оригинальные многодельные живописные объекты. Гросицкого принято упоминать в числе основателей «русского поп-арта», но в то же время его искусству присуще символическое, метафизическое содержание.
Живопись Гросицкого обладает исключительной узнаваемостью не только в отечественном искусстве, но и в мировом масштабе. Его произведения находятся во многих музеях (в том числе в Третьяковской галерее, Русском музее, Московском музее современного искусства, Зиммерли-музее) и крупнейших частных собраниях и фондах в России и за рубежом.

Андрей Логвин - русский художник, дизайнер. Лауреат более 30 международных и российских конкурсов дизайна и рекламы. Лауреат Государственной премии РФ в области литературы и искусства.
Представлен в справочнике «Who is who in Graphic Design» (300 лучших дизайнеров мира). В 2004 году китайское издательство Lignan Art Publishing House на 165 страницах выпустило монографию «Andrey Logvin».
Плакат «Жизнь Удалась» стал визитной карточкой дизайнера.

Андрис Эглитис – художник, картины которого привлекают эмоциональной прямотой. Реалистичные, бессюжетные полотна, созданные художником, наполнены неожиданной емкостью образов, которая из простого пейзажа, натюрморта или бытовой сцены приводит к классике больших тем. Материальная же составляющая работ Эглитиса соотнесена с философскими проблемами искусственного и органического. По словам Эглитиса, живопись для него является «сотворением иллюзорного места, которое соотносится с реальной средой, но в то же время существует обособленно». Изображая в своих живописных работах уже созданные им инсталляции и объекты, Андрис Эглитис конструирует пространство, как в физическом понимании, так и в рамках полотна, стирая границу между медиумами. Живопись для художника становится связующим звеном между разумом и материей, она вписывается в это пространство, но сохраняет в себе заложенную автором персональную, ментальную составляющую.

Аркадий Петров – один из наиболее известных художников поколения «семидесятников», в чьем творчестве отразились и неповторимая индивидуальность, и типичные черты искусства этого времени. Основной мотив искусства Петрова – жизнь и культура советской провинции середины ХХ века, шире – жизнь «простого советского человека» как частный случай «маленького человека», одной из определяющих в русской культуре традиций. Художник переосмысляет стереотипы советского общества, смотря на них сквозь призму китчевых сюжетов, образов отечественной массовой культуры – от раскрашенных анилиновых открыток до портретов Аллы Пугачевой. Безличную эстетику китча Петров преобразовал в галерею характерных и прочувствованных человеческих типов, наивных и эпических
одновременно, в уникальный срез эпохи.
Аркадий Петров родился в 1940 году в поселке Шахты Комсомолец возле Горловки Донецкой области. Проведя в далекой шахтерской провинции детские годы, в 1957 году он переехал в Москву. После окончания художественного училища «Памяти 1905 года», в 1963–1969 годах он учился в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова. В 1970-х его своеобразный стиль проявился в монументальных заказах, тогда как станковые работы художника редко проходили официальные выставкомы. К середине 1980-х годов сложилась парадоксальная ситуация: Петров воспринимался как один из ключевых творцов поколения, притом, что его единственная персональная выставка в советское время была едва разрешена властями. Слава приходит к художнику на рубеже 1980-х – 1990-х годов: он создает крупноформатные картины, многие из которых становятся событием в отечественном художественном мире, принимает участие в значительных международных выставках.
До настоящего времени Петров непрерывно эволюционирует в живописи и объекте, впрочем, оставаясь верным избранной им тематике. Произведения Петрова хранятся в таких собраниях, как Государственный Русский музей (Санкт-Петербург), Московский музей современного искусства (Москва), Музей П. Людвига (Будапешт, Венгрия), Людвиг Форум международного искусства (Аахен, Германия), Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду (Париж, Франция), Музей Джейн Вурхис Зиммерли, Ратгерс университет (Нью-Брансвик, Нью-Джерси, США), Музей современного искусства (Сеул, Южная Корея), во многих статусных частных собраниях по всему миру.

Валентина Кропивницкая (1924 - 2008) - выдающаяся мастер конца 20 века. Будучи женой Оскара
Рабина, она всю жизнь посвятила графике. Творила Валентина угольными и цветными
карандашами. Райские пейзажи и волшебные существа в ее произведениях
сосуществуют в удивительно гармоничном мире, наполненном миллионами оттенков
света и пространства.
Ретроспективная выставка Оскара Рабина «ТРИ ЖИЗНИ» в 2008 году в ГТГ на Крымском
Валу стала последним масштабным событием истории жизни Валентины Кропивницкой.
Работы В.Е. Кропивницкой экспонировались на групповых выставках в Москве, Тбилиси,
Сопоте, Познани, Флоренции, Лугано, Бохуме, Далласе, Цюрихе, Монжероне, Джерси-
Сити, Лондоне, Париже, Токио и др. Персональные выставки прошли в частных галереях
в Лондоне (Великобритания, 1978), Осло (Норвегия, 1981 и 1985), Париже (Франция, 1983
и 1985) и др.
Работы автора хранятся в Русском Музее в Санкт-Петербурге, в Музее им. А.С. Пушкина
и в других российских и зарубежных частных коллекциях.

Валерий Чтак родился в 1981 году в Москве. По образованию библиотековед. Чтак — псевдоним, который художник взял себе в качестве официальной фамилии.
С 1998 года принимал участие в проекте «Школа современного искусства» Авдея Тер-Оганьяна. С 2000 по 2005 год участвовал в арт-группе «Общество Радек». С 2002 года участвует в групповых и персональных выставочных проектах в России и за рубежом. В 2011 году участвовал в 4-й Московской биеннале. В 2011 году вышел каталог работ Валерия Чтака «Только правда», вступительную статью для которого написала Екатерина Дёготь.
В 2012 году был номинирован на премию «Инновация». В 2015 году Валерий Чтак создал художественное оформление фильма Тряпичный союз.
В 2016 году вошел в десятку рейтинга Топ-20 самых влиятельных художников в российском искусстве.
В 2016 году вошел в рейтинг «Топ-10 +1 и 50: самые заметные молодые художники» по мнению The Art Newspaper Russia .
В 2017, 2018, 2019 годах вошел в Российский инвестиционный художественный рейтинг 49ART, представляющий выдающихся современных художников в возрасте до 50 лет.