Родилась в Москве в 1994 году.
Выставочную деятельность начала в 17 лет – в 2011 г., став самым молодым участником специального проекта "СТАРТ" на Винзаводе.
В 2014 г. участвовала в параллельной программе Европейской биеннале Manifesta 10 в Санкт-Петербурге.
В 2017 году в пространстве VLADEY Space состоялась вторая персональная выставка “XVII”. В 2021 году прошли персональные выставки “Новый Букварь” (Гоголь-центр, Москва) и “Семь” (Галерея JART, Москва).
Принимала участие во многих групповых выставках, включая масштабную выставку современного искусства “Одна семья” в рамках фестиваля “Черешневый лес” (2019).
В 2020 году попала в шорт-лист резиденции ISCP, Нью-Йорк, США.
Работы находятся в частных коллекциях России и США.

Образование:
2012-2013 — Институт проблем современного искусства (ИСИ), программа “Новые художественные стратегии”
2011-2015 — Московский государственный институт международных отношений (МГИМО), факультет Международной журналистики

Родился в 1939 году в Ленинграде. Пережил блокаду. В 1954—1957 годах учился в Ленинграде в художественной школе при Академии художеств. В 1957—1959 гг. учился в Московской художественной школе при государственном академическом институте им. В. И. Сурикова. С 1959 по 1967 гг. учился в Ленинградский государственный институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина.
С 1965 по 1967 год преподавал в Доме пионеров в Ленинграде. Среди его учеников был будущий русский писатель Сергей Довлатов. В 1969 году Александр Ней работал художником-декоратором на картине Григория Козинцева «Король Лир».
В 1972-м он покинул Советский Союз и поселился в Париже. При поддержке Элен де Кунинг, иммигрировал с семьёй в США в 1974 году.

Алексей Куклин родился 13 января 1998 года в г.Одинцово Московской области.
В 2020 году окончил факультет Промышленного гражданского строительства Московского государственного строительного университета.
Автор работает с абстрактной живописью и примитивизмом.
Работы художника - тонкие срезы плоти урбанизации, это некая откалиброванная карта мегаполиса с его эстакадами, ключевыми развязками, кварталами, линиями метро, электричек и трамваев, где районы их объединяющая взаимосвязь и взаимопроникновение. Художник использует разные цвета, выстраивая из них некую структуру, сверхзадача которой именно через абстракцию вызвать любопытство к обновлению окружающего нас мира.

Владимир Шинкарев - советский и российский художник из группы «Митьки», идеолог митьковского движения.
В живописи Шинкарева преобладают сумрачные, темные краски, где художник обращается то к городскому пейзажу, то к осмыслению шедевров мировой живописи и памятников литературы.
Владимир Шинкарев родился в 1954 году в Ленинграде. С 1974 по 1977 учился на курсах при Ленинградском высшем художественно-промышленном училище им. В. И. Мухиной и при институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина. С 1975 участвует в неофициальных квартирных выставках. В 1977 году закончил геологический факультет Ленинградского государственного университета. В 1981 году стал членом товарищества экспериментального изобразительного искусства. В 1985 стал одним из основателей группы «Митьки», в 2008 покинул ее.
В 1991 году стал членом Международной федерации художников. В 1993 году стал членом Санкт-Петербургского общества «А-Я», с 1994 года – член Союза художников России. В 2007 художник стал лауреатом первой художественной премии «Art Awards. Художник года – 06» за достижения в области изобразительного искусства. В 2008 году получил премию имени Иосифа Бродского, в 2012 году – вошел в «Топ-12 современных русских художников».
Владимир Шинкарев – участник многих персональных и групповых проектов, среди которых: «Одно и то же» (Новый музей Аслана Чехоева, 2019), «Горизонты возможного» (Музейный центр «Площадь Мира», 2018), «Мрачный картины» (Центр современного искусства «Винзавод», 2016) и «Новые рассказчики в русском искусстве XX-XXI века» (Государственный Русский музей, 2015).
Владимир Шинкарев живет и работает в Санкт-Петербурге.

Анна Афонина - молодая российская художница.

Родилась в 1989 году в Тольятти.
В 2017 году окончила Академию Художеств в Санкт-Петербурге по специальности станковая графика, проходила обучение в школе интерпретации современного искусства «Пайдея».
В 2019 поступила в Школу им.Родченко.

В работах соединяет личные, крайне интимные переживания с образами, взятыми из коллективного бессознательного. Округлые силуэты людей и лаконичная цветовая гамма отсылают к детским воспоминаниям: наивным и беззаботным, но при этом наполненным меланхолией и одиночеством. Рассуждает о времени и его относительности.

Участница множества выставок как на ведущих площадках современного искусства России, так и международных проектов.

Павла Маркова родилась в 1989 году в Омске.

Получила средне-профессиональное образование по специальности «Фотограф, видеооператор». Персональные выставки проходили в Санкт-Петербурге — в галерее при печатной студии Александры Гарт («Котлован», 2015), лаборадории «Интимное место» («НЕ БОЙС», 2015), ДК Розы («Отходы производства», 2018), и Омске — в галерее «Левая нога» («МК БН», 2016; «Осколки», 2018).

В своем творчестве работает с различными образами и темами. Ее волнует всеобщая неопределенность и шаткий баланс сил в природе, карго-культ, природа и мир без человека, эмоциональные процессы, ритуальное производство, взаимосвязь труда и творчества, гонзо-документальность и дух местности. В художественной практике задействует графику, живопись, видео, фото, объекты и реди-мейды.

Сама художница о тематике своего творчества говорит так: «Мне интересна тематика пограничного: переходы из одного состояния в другое, пребывание на грани какого-то межсезонья, различные мистификации, вроде раскадровок к фильму, который никогда не был снят или был утерян, что-то такое, чьи следы обрываются и оно не имеет дороги дальше».

Художница участвовала в ряде групповых проектов. Среди них — «Хорошо. Новое искусство Омска» (галерея «Люда», Санкт-Петербург, 2014), «Тексты» (галерея «Левая нога», Омск, 2016), «Про труд» (галерея «Егорка», Санкт-Петербург, 2018), «Шапка. Камерная стерео-опера о петербургском искусстве» (Дом-музей Ф. И. Шаляпина, Санкт-Петербург, 2019), Триеннале российского современного искусства (Музей современного искусства «Гараж», Москва, 2020).
Живет и работает в Омске.

Владислав Ефимов и Аристарх Чернышев работали совместно с 1996 по 2005 год.

Биография Владислава Ефимова

Родился 5 сентября 1964 в Москве
В 1985 окончил Московский Автомеханический Институт
В 1987 входил в объединение «Непосредственная фотография»
В 1995-1996 был стипендиатом Берлинской Академии художеств
В 1996-2005 работал совместно с Аристархом Чернышевым
В 2001 совместно с Аристархом Чернышевым награжден Гран-при фестиваля экстра короткого кино в номинации «Видео», Новосибирск
В 2001 был участником Sommer Akademie der Kuenste, Темплин, Германия
В 2004 совместно с Аристархом Чернышевым награжден Гран-при фестиваля экстра короткого кино в номинации «Анимация», Новосибирск
В 2007 получил архитектурную премию «Золотое сечение»
В 2009 стал лауреатом Всероссийского конкурса в области современного искусства «Инновация»
В 2013 получил архитектурную премию «Золотое сечение»
Живет в Москве

Биография Аристарха Чернышева

Родился в Ворошиловграде (Луганск), УССР в 1968г.
Закончил Высший Технический Университет им. Баумана в 1991 г.
с 1991 по 1994 участник интернационала «Белка»
с 2000 по 2004 руководил медиалабораторией в Государственный центр современного искусства Москва
В 2005 совместно с Алексеем Шульгиным организовал галерею и группу Electroboutique
Победитель Премии Кандинского 2009 в номинации «Медиа-арт. Проект года»
С 2011 преподает в Школе мультимедиа и фотографии им. Родченко
С 2014 куратор и соорганизатор Электромузея совместно с Алексеем Шульгиным

Денис Салаутин и Дмитрий Файн — бывшие участники знаковой для 90-х арт-группы FENSO LIGHTS («Феномен сознания»). Группа вдохновлялась концептуалистскими идеями "Коллективных действий" и особенно - "Медицинской герменевтики". Как и МГ, "Фенсо" "оперировала шизофреническими образами" и "экспериментировала с масскультом".
В первоначальный состав группы входили Денис Салаутин, Василий Смирнов, Антон Смирнский, Антон Черняк (до 1994 года). В 1994 году к группе присоединился Дмитрий Файн.
С 1997 года после скандального распада группы работают вместе.
Художники создают реалистичные фотографические образы, вдохновленные символами поп-культуры, а также современной российской действительностью. Яркие насыщенные цвета подчеркивают авторскую иронию по отношению к абсурду повседневной жизни.


Биография Дениса Салаутина

Денис Салаутин – российский художник-концептуалист. Относится к психоделическому кругу московского концептуализма «третьей волны».
Родился в Москве в 1970 году.
Окончил художественное училище памяти 1905 года.
В 1993 году — организатор и участник группы «Фенсо» («Феномен сознания»). В 1997 году группа со скандалом распалась.
С 1997 г. Денис Салаутин работает совместно с Дмитрием Файном.
Живет и работает в Москве.

Биография Дмитрия Файна

Дмитрий Файн – московский художник и литератор. Относится к психоделическому кругу московского концептуализма "третьей волны".
Родился в 1970 в Москве.
Учился в Московском Художественном училище памяти 1905 года.
В 1995 под именем Пин вошел в арт-группу "Фенсо" ("Феномен сознания"), в которой уже пребывали Денис Салаутин, Антон Смирнский и Василий Смирнов.
В 1997 группа со скандалом развалилась. С тех пор Денис Салаутин и Дмитрий Файн в арте работают вдвоем.
Живет и работает в Москве.

Алексей Каллима — российский художник, работы которого относят к направлению нонспектакулярности. Среди проектов автора представлены картины, фрески и инсталляции, а главным лейтмотивом творчества являются война и люди, ставшие ее заложниками. Часто в произведениях мастера речь идет о гражданах Чеченской Республики, переживших разрушительные сражения, но без фольклорных и исторических отсылок.
Родился в 1969 году в г.Грозный.
С юных лет увлекался творчеством. Мальчик считал, что анимация и режиссура — направления, представляющие современность, поэтому пытался рисовать мультики. Впоследствии это убеждение будет просматриваться в работах художника, исполненных эстетики комиксов и анимации.
Алексей переехал в Россию незадолго до начала военных действий в Чечне, поэтому не относил себя к числу авторов, имевших полноценное представление о произошедшем конфликте. Эти события художник наблюдал не лично, а на экране телевизора.
Каллима окончил Краснодарское художественное училище по направлению «живопись».
Постепенно развиваясь в профессии, деятель искусства переехал в Москву. В 2001 году стал куратором галереи «Франция» и, посвятив себя изобразительному искусству, неоднократно оказывался участником и экспонентом международных биеннале.
Получив академическое образование, Каллима был воспитан на соцреалистических основах изобразительного искусства. Экспериментируя в этом направлении, художник стал сотрудничать со столичным обществом «Радек». В качестве куратора галереи и художника он организовывал перформансы, создавал инсталляции и реди-мейды.
К середине 2000-х автор вернулся к привычному для него жанру — созданию изображения в формате картины. С 2003 по 2007 год творческий деятель использовал в работе невидимые чернила, становившиеся заметными под воздействием лучей ультрафиолета. Люминесцентное мерцание дополняло образ описываемых героев, которыми были все те же чеченцы. Творческая копилка художника в этот период пополнилась бытовыми зарисовками. За холст о футбольном турнире «Терек» – «Челси», созданный в 2005-м, Каллима получил награду «Инновация».
С 2004 по 2010 год основной тематикой творчества мастера была война в Чечне. Автор изображал чеченцев, стараясь побороть стереотипное суждение о нации, взращенное посредством российской культуры и политических прений. В работах присутствовал и фантазийный мотив. Так на свет появилась серия «Женская сборная Чечни по прыжкам с парашютом».
В качестве материала Каллима использовал бумагу или холст, а также сангину и уголь. Некоторые его картины были изображены прямо на стенах. Порой для создания новых проектов художник применял масло или акрил. К числу произведений, написанных в этот период, относится серия «Гурии».
Творческая манера Алексея Каллимы предполагает наличие абстрактных изображений, в основе которых лежат орнаменты, пятна, точки или вихри. В 2010 году взгляд мастера обратился в сторону романтизма повседневной жизни, и среди его набросков появились изображения улиц, общественного транспорта, дорог.
В 2012 году свет увидели картины, в создании которых задействованы яркие краски, что не было свойственно стилю Каллимы ранее. Автор работал маслом и акварелью, обращаясь к полуабстракции. Точные образы, собранные из пятен и разнообразных элементов, напомнили искусствоведам манеру французских художников, принадлежавших к объединению «Наби». Одной из популярных работ этого периода стали «Танцующие призраки».
Творческая биография Алексея Каллимы — это путь от остросоциальных сюжетов к абстрактным изображениям, от пастельных тонов к яркой цветовой палитре. В его работах точно сбалансированы оттенки и композиция как средства художественной выразительности, описывающие чувства. Картины и арт-объекты авторства Каллимы были представлены на выставках в России, Франции, Великобритании, США, Чехии, Германии, Польше и в других странах.

Филипп Донцов – российский художник, скульптор, дизайнер, фотограф.
Родился в Санкт-Петербурге в 1972 году.
В 1994 Закончил Санкт-Петербургскую Государственную Художественно -Промышленную Академию им. Мухиной.
Живет и работает в Санкт-Петербурге.
В своих работах изучает проблемы человеческих отношений.

В 2005, 2007 году - участник спецпроектов 1-й и 2-й Московских биеннале.
В 2006 году – участник выставки Modus-R в Майами .
Работы художника представлены в Государственном Русском музее и Российской национальной библиотеке в Санкт-Петербурге, Kirsten Kear Museum, Denmark, а также в частных коллекциях.