Кирилл Гаршин - российский современный художник, родился в 1990 году в Воронеже. В 2005 году окончил Воронежское художественное училище по специальности «художник-педагог». С 2007 по 2009 год занимался печатной графикой.

Автор явлеятся участником международной резиденции LIA Leipzig International Art Programme (Лейпциг, 2013). Среди его персональных выставок: «Пределы адекватности» (галерея Х. Л. А. М., Воронеж, 2011), «Дикие люди» (галерея Х. Л. А. М., Воронеж, 2012), «Внутри грудной клетки» (Выставочный зал РОСИЗО, Москва, 2014). Среди его групповых выставок: Revisiting the Space Voronezh (Воронежский центр современного искусства, 2013), Space LAB (LIA, Лейпциг, 2013), MitOst Festival (Лейпциг, 2013), 4-я Московская международная биеннале молодого искусства (2014), Transmission (галерея «Триумф», Москва, 2015), «В славном городе Воронеже» (Центр современного искусства «ВИНЗАВОД», Москва, 2016) и др. Живет и работает в Воронеже.

Петр Быстров родился 4 ноября 1980 года в Москве. В 2002 году окончил философский факультет Российского государственного гуманитарного университета. С 2005 по 2006 года был профессором Новой Академии изящных искусств в Милане.
С 1999 по 2008 года был участником группы художников и активистов «Общество Радек», явившейся продолжением деятельности учеников Школы современного искусства Авдея Тер-Оганьяна - одного из ключевых представителей московского акционизма.
В 2007 году Петр Быстров совместно с Алексеем Булдаковым стал финалистом премии Кандинского в номинации «Медиа арт».  Работа художников «Вечеринка без трусов» подводила итоги десятилетия участия в группе «Общество Радек» , продемонстрировал документальный материал перформансов и выставок.
В 2008 году Быстров стал финалистом премии государственной «Инновация» в номинации «Молодой художник». С 2012 года является членом Творческого Союза художников России. В 2017 году выступил куратором программы перформансов фестиваля «Форма» в ЦСИ «Винзавод».
После работы с перформансами и видео-артом в конце 2000-х годов Петр Быстров, в сочетании фанеры и строительных скоб, создал авторскую «графическую» технику - «скобогравюра»; в последствии среди произведений Быстрова можно встретить и «скрепогравюру», «тросогравюру».
Художник использует различные в априори нехудожественные материалы (проволка, шлифовальная бумага, мех, кабель) и конструирует различные социальные типажи (например, в сериях «Московские типы» и «Энциклопедия московских типов»); изображает культовых персонажей из поп-культуры (Карл Лагерфельд, Джон Леннон), исторических периодов и событий (Юрий Гагарин), литературы и народного творчества (Владимир Маяковский, Илья Муромец). Нестандартные, неклассические материалы в итоге очерчивают привычные, узнаваемые, отчасти «классические» образы; Петр Быстро создает уникальную ассоциативную игру, основанную на культурной (коллективной) памяти.

Эрик Булатов – одна из ключевых фигур современного российского искусства, один из реформаторов картины во второй половине ХХ века. Его становление
и известность в 1960 – 1980-х связаны с кругом нонконформизма, «другого искусства», в котором он воспринимался одним из авторитетов, наряду с ближайшими друзьями –
Ильей Кабаковым, Олегом Васильевым и другими. Имя Булатова принято ставить в основание таких стилистических направлений, как «поп-арт», «соц-арт» и
«фотореализм», но очевидно, что творчество художника ими не исчерпывается. Исключительное сочетание мастерства и аналитики сделало искусство Булатова узнаваемым во всем мире – в числе первых среди современных русских художников.
Эрик Владимирович Булатов родился 5 сентября 1933 года в Свердловске (ныне Екатеринбург), куда его отец на некоторое время был направлен по работе.
Булатов – москвич, семья его вернулась в столицу в 1936 году, где он живет с того времени (с 1989 по 1991 живет в Нью-Йорке, с 1991 по настоящее время – в основном в
Париже). В 1952 – 1958 годах учится в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова. На протяжении 1950-х годов регулярно общается с
Робертом Фальком и Владимиром Фаворским, которых считает своими учителями. С 1967 года – член союза художников СССР (как иллюстратор детских книг, над которыми
работает в соавторстве с Олегом Васильевым). В СССР практически не выставлялся (выставка в Курчатовском институте в 1964 году сразу закрыта властями, 1968 –
однодневная выставка в кафе «Синяя птица»). Первая персональная выставка – в 1988 году в Музее изобразительных искусств Цюриха, сразу после – в Центре Жоржа
Помпиду (первым среди русских современников). Булатов – участник Венецианской биеннале, Биеннале в Кванчжу (1997, премия). Его искусство неоднократно показано
персонально в европейских музеях. Наиболее масштабные выставки прошли в Государственной Третьяковской галерее (2006) и Московском Манеже (2014). Работы
Булатова находятся в десятках музейных и статусных частных коллекций по всему миру.

Родился в 1970 в городе Краснодаре. В 1986 окончил Краснодарское художественное училище. В 1996 — выпускник Московского Государственного Художественного Академического института им. В.И. Сурикова. Обучался в мастерской Н.И. Андронова. С 1996 участвовал в многочисленных выставках в Москве и за рубежом. Провёл более 20 персональных выставок в России, Франции, Германии, Великобритании, Швейцарии и Гонконге. Автор 10 монументальных проектов-росписей в Москве и на Чукотке. Участвовал в аукционах "Vladey" (Москва) и в аукционе современного искусства «Мост» (Краснодар). В октябре 2016 открыл персональную выставку в "Wolfson College" Cambridge. Работы находятся в музеях и частных коллекциях: Новосибирский художественный музей, музей Абрамцево, ГЦСИ Владикавказ, в Белгородском художественном музее, в собрании "Wolfson College" Cambridge, Natianal Bank of Iceland, Raiffeisen Bank, Clifford Chans, Deutsche Bank (Germany), Standard&Poor`s; в коллекции посла Исландии, Японии и США; в частных коллекциях США, Франции. Галереи: Nadja Brykina Gallery AG (Цюрих), ArtSpace Кембридж (Великобритания), «Роза Азора» (Москва), галерея "Vladey" (Москва), EastMeetsWestGallery (Москва), "Must Art Gallery" (Москва).

Владимир Никитович Наседкин (род. 4 апреля 1954 года) —
российский  художник ,  живописец , график,  скульптор ,  фотограф , автор объектов и
инсталляций.
С 1983 —  член Союза художников России. .
С 1996 —  Заслуженный художник России .
С 2010 — Заслуженный художник Республики  Северная Осетия-Алания.
Почетный член Российской Академии Художеств.

Родился в городе Ивдель, Свердловская область. В 1976 закончил художественно-
графический факультет Нижнетагильского Государственного Педагогического Института.
Учился у Перевалова Л. И. и Черепанова К. П. Работает совместно с женой,
художницей  Татьяной Баданиной . Дочь  Анна Наседкина  (1978 г. р.) — иконописец.
С 1977 по 1989 год преподавал на художественно-графическом факультете Нижнетагильского
государственного педагогического института.
С 1983 года-член Союза художников СССР.
С 1996 — Заслуженный художник России.
С 2010 — Заслуженный художник Республики  Северная Осетия-Алания.
Почетный член Российской Академии Художеств.

Жанр: живопись, графика, скульптора, фотография, инсталляция.
С 1997 года живёт и работает в Москве. C 1975 года начинает творческую и выставочную
деятельность. Провел около 30 персональных выставок в России и за рубежом.

Алина Глазун родилась в 1988 году в Москве.  В 2010 году автор закончила факультет искусств МГУ им. М.В. Ломоносова, в 2012 - Институт проблем современного искусства. Сферы деятельности Алины Глазун - это перформанс, фотография, видео, инсталляция, коллаж.

Валерий Чтак родился в 1981 году в Москве. По образованию библиотековед. Чтак — псевдоним, который художник взял себе в качестве официальной фамилии.
С 1998 года принимал участие в проекте «Школа современного искусства» Авдея Тер-Оганьяна. С 2000 по 2005 год участвовал в арт-группе «Общество Радек». С 2002 года участвует в групповых и персональных выставочных проектах в России и за рубежом. В 2011 году участвовал в 4-й Московской биеннале. В 2011 году вышел каталог работ Валерия Чтака «Только правда», вступительную статью для которого написала Екатерина Дёготь.
В 2012 году был номинирован на премию «Инновация». В 2015 году Валерий Чтак создал художественное оформление фильма Тряпичный союз.
В 2016 году вошел в десятку рейтинга Топ-20 самых влиятельных художников в российском искусстве.
В 2016 году вошел в рейтинг «Топ-10 +1 и 50: самые заметные молодые художники» по мнению The Art Newspaper Russia .
В 2017, 2018, 2019 годах вошел в Российский инвестиционный художественный рейтинг 49ART, представляющий выдающихся современных художников в возрасте до 50 лет.

Дмитрий Гутов — вот уже на протяжении более двадцати лет одна из центральных фигур российского contemporary-art. Он — не только художник, но и теоретик, арт-критик, а также идеолог, член редколлегии и автор журнала «Художественная жизнь». С именем Гутова связана организация в 1994 в Москве «Института Михаила Лившица» — потешного полка современного российского искусства, сочетающего черты художественного проекта, сообщества интеллектуалов, теоретизирующих в духе махрово-социалистической эстетики, и перформанса. Например, порой доклады в институте Лившица можно было только петь или произносить речитативом, но не читать. По шуточному выражению Б.Гройса, Гутов — «идеологический терминатор».

Как художник, Дмитрий Гутов обращается к разнообразным медиа, переходит от одних к другим. Это и фотография, и живопись, и видео, и инсталляция, и цифровое искусство. По мнению А. Тер-Оганьяна, Гутов — один из лучших художников своего поколения. Как человек с академическим искусствоведческим образованием, он не оставляет без внимания историю культуры. Гутов обращается к классическому искусству, апроприирует офорты Рембрандта, русскую иконопись, восточную каллиграфию, создавая новые «прочтения» — в объеме, из металлической ленты. Гутов свободно оперирует любыми объектами культуры независимо от времени и пространства, превращая их в явления современного искусства. В своем творчестве Гутов, по словам В.Мизиано, обнаруживает «волю к ясности мысли».

Художник принял участие более чем в 40 персональных и 170 коллективных выставках по всему миру, среди которых Венецианская биеннале (1995, 2007, 2011), Стамбульская биеннале (1992), Манифеста (1996) в Роттердаме, биеннале 2002 года в Сан-Паулу, Сиднейская биеннале (2006), documenta (2007), Эчиго-Цумару Триеннале в Японии (2007), Шанхайская биеннале (2012) и другие. Работы Дмитрия Гутова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва, Россия), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Центра Жоржа Помпиду (Париж, Франция).

Сергей Гета известен графическими работами в фотореалистическом стиле. Действительно, автор воспроизводит карандашом на планшете фотографические изображения с удивительной точностью. Куратор выставки и заведующий Отделом новейших течений ГТГ Кирилл Светляков, назвал Сергея Гету одним из самых рефлексирующих художников гиперреализма: «У него была героическая практика, потому что это многочасовая работа, связанная даже не с передачей фотоэффектов, а с реконструкцией фотографического образа. Конечно, здесь есть некий артистизм — штрихи, но они стилизованы под качество стертой, поцарапанной фотографии. Он мне рассказывал, что буквально калечил себя этой работой и сломал себе зрение».

Сюжет и специфика высказывания нового проекта, который художник готовил на протяжении последних двух лет, связаны с темой распада советской материальной культуры. Сергей Гета переосмысливает наследие периода СССР посредством образов скульптурных объектов ВДНХ: он с высочайшим мастерством и любовью прорисовывает «остатки» и «обломки» ушедшей эпохи, наделяя их живой и неоднозначной историей. Артефакты советских времен обретают вторую жизнь в авторской графике, становятся не просто объектами ностальгии, но настоящими произведениями искусства, драгоценными и обновленными.

Качество тонкой работы Сергея Геты выделяет его среди мастеров гиперреализма: различия между фотографией и рисунком автора стали крайне зыбкими. Для художника точнейшее воспроизведение фотографии в графике является не столько процессом, сколько личным переживанием и практикой пребывания в особом состоянии: «То, с чем я имею дело – соединение современной техники, которая делает на пленке-фотобумаге изображение столь же конкретно-реальным, осязательно-зримым как сама физическая реальность, – и воссоздание его на бумаге карандашом, то есть графитом – самым древним материалом в распоряжении художника. Вот в этом синтезе новейшего и самого древнего – какая-то парадоксальная каллиграфия, только очень длительная, она же медитация». Работа над одним гиперреалистичным рисунком в карандаше, которая длится около двух или трех месяцев, для Сергея Геты – целый отрезок жизни. Воля автора к созданию нового произведения трансформируется в желание постоянно находиться в процессе этого создания, «зарождения» собственной реальности.

Сергей Гета родился в 1951 году в Киеве. Окончил Киевский художественный институт. С 1975 года принимает участие в художественных выставках и конкурсах международного уровня, в том числе Биеннале графики и рисунка в Германии, Польше, на Мальте. Является членом Союза художников России. Работы Сергея Геты входят в коллекции Государственной Третьяковской галереи; Музея Людвига, Кёльн, Германия; Zigzag Corporation, США; Crystal Art Museum, Япония; художественных музеев Нюрнберга, Вроцлава и Киева а также в многочисленные частные коллекции по всему миру. Художник живет и работает в Москве.

Александр Савко — известный российский художник, заметная фигура современной московской художественной жизни последних 20–30 лет. У Савко свой узнаваемый стиль, своя тема, свой характерный метод. Он работает с поэтикой абсурдизма, оперирует образами массовой культуры, медийного мусора, мультяшного мира, где все герои — супер. Его работы — это своего рода визуальные оксюмороны, в которых сталкиваются несовместимые образы. Например, герои популярных мультсериалов — Микки-Маус, Шрек, Симпсоны и другие, уже захватившие медийное пространство, вторгаются в поле традиционной культуры, внедряются в композиции известных картин.

Работы Савко — генераторы когнитивного диссонанса, остроумная и даже опасная игра, напоминающая не только о болезнях информационного общества, но и об истории искусства. В своих парадоксальных и, казалось бы, комедийных работах художник выступает скорее как иронический свидетель современности — он говорит о беспрецедентной агрессии массовой культуры, нашествии «гламурятины», диагностирует запредельную эклектичность современного сознания. Но делает это он блестяще и остроумно.