Андрей Андреев родился в 1989 году в Магнитогорске. С 2007 по 2013 учился в Санкт-Петербургском государственном академическом институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина. В 2018 году участвовал в школе вовлеченного искусства «Что делать» в Санкт-Петербурге, после чего 2 года учился в институте современного искусства «База». Участвовал в различных арт-резиденциях и образовательных программах: «Espronceda» (Барселона, Испания, 2015), фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина (Москва, 2018), Open Studios Winzavod (Москва, 2018-2019), Лесное11 (Московская обл., 2011). В 2019 году получил премию в номинации «Интернет-проект года» с проектом «Где мой отец?». С 2010 года является членом экспертного совета Государственной Третьяковской галереи.
В своих работах Андрей Андреев обращается к социально-политической проблематике, нередко использую иронию. Работает в таких медиумах как: создание ситуаций, перформанс, инсталляция, рисунок.
В проекте «АКТ» художник исследует социальные связи индивидом через холст, по отношению к которому совершается агрессивный, варварский жест деформации и разрушения. Размышления о сложных общественных отношений перетекают в ощутимую форму, в то время как картина становится скульптурой.
В Проекте «Мужики» персонажи предстают перед зрителем в качестве работников заводов - вредных и опасных предприятий. Андреев убежден, что эксплуатация имеет место только в классовом обществе, где один общественный класс, монополизировавший средства производства, заставляет работать на себя другой класс — непосредственных производителей. Система, которая так или иначе ограничивает, сковывает, калечит, а кого -то и уничтожает. Деформированные, сжатые, искаженные до неузнаваемости черно-белые портреты в вакуумной упаковке становятся продуктом повседневного потребления высшего звена, начальства. Они - материал, который используют как трудовой ресурс для достижения личного блага.
Проект «В присутствии модели» рассказывает про переосмысление связи художника и модели. В классической системе восприятия художник – тот, кто сидит за станком и производит искусство, а обнаженная модель – неподвижно демонстрирует позу. Она становится «материалом» для картины. Работы Андреева же создаются в присутствии модели, а одним из главных аспектов становится импровизация. Взаимоотношения выходят из формального, в поле личных психологических отношений. Речь идет о
рисование уже не обнаженной, а голой модели. Весь процесс взаимодействия - это как бы соединение художника и модели.

Михаил Левиус родился в 1986 г. в Новокузнецке. Учился в Новокузнецком художественном училище с 2004 по 2006 год. Закончил МГАХИ им. Сурикова, мастерская графики (2006-2012). Многократный лауреат региональных конкурсов молодых художников, стипендиат губернаторской премии в области культуры и искусства (2006 г.).. Постоянный член команды Арт-центра «Полиграфический цех». Член МОСХа. Живет и работает в Москве.
Михаил Левиус — график и живописец преимущественно предметного направления. Основными источниками вдохновения считает собственные детские рисунки, мангу и музыку, а основным мотивом — совершенствование своего живописного языка.

В его серии графических листов "Иллюстрации" за основу были взяты наброски, поверх которых были изображены воображаемые урбанистические виды. Грубая бумага, приглушенный колорит и контрастность рисунка вдохновлены видом старых комиксов.

Серия из пяти холстов "Бульдозер”, “Сосны”, "Локомотив”, “Велосипедисты” и “Окно". Эффект, случайного наслоения изображений был получен искусственно. Работы были отчасти основаны на сценах из манги и на моих собственных набросках. Автор сознательно перегрузил многофигурную композицию, сделав ее похожей по звучанию на абстрактную живопись, но сохранив при этом иллюстративный нарратив. Это работа с живописной фактурой. Различные контрастные способы нанесения материалов использованы как для создания эффекта частично разрушенной картины, так и для передачи возможного разнообразия звучания рисунка.

Ирина Дрозд - современная российская художница, родилась в 1983 году.

Образование:

1997-2002 Тверское Художественное училище им. Венецианова
2003-2009 СПБГХПА им. Штиглица, кафедра монументальной живописи.

Награды:
Муза Санкт Петербурга (отделение городской пластики)
Премия "Топ 50" знаменитые люди Санкт-Петербурга
Номинат премии Курехина
Номинант премии Инновация
С 2016 года по настоящее время состоит в списке российского инвестиционного художественного рейтинга 49ART

Живет и работает в Санкт-Петербурге, Россия

«В своих работах я исследую природу добра и зла в человеке, попытка проследить и зафиксировать эту грань между знаком плюс и знаком минус является одной из основных задач. В своем творчестве я нередко обращаюсь к периоду детства как особому состоянию человеческой жизни и детям как к людям, обладающим гибкостью сознания и мышления, еще не имеющим четкой позиции по отношению к окружающему миру, легко принимающим то, что приходит к ним извне. В связи с чем появляется собирательный образ человека­-эскаписта (пусть даже ребенка), который играет в игры, намеренно осуществляя побег от реальности, будто жонглируя смыслами, ролями и статусами, возникающими вокруг таких бинарных пар: добро - ­зло, невинность - страсть, тихий - ­громкий, дух­ - плоть, жертва - хищник, желаемое­ - действительное. Обращение к контрастным цветам в живописи также неслучайно: если белый, нетронутый краской холст ­- символ невинности и духовности, то красный ­- символ жертвенности и красоты одновременно».

В 1994 году Владимир Дубосарский и Александр Виноградов создали свой собственный проект. В те времена актуальное искусство являло собой достаточно неординарное выражение инсайдерской мысли. Как правило, это были немного диковатые для “обычной” публики перфомансы.
Не удивительно, что после СССР-ого соцреализма московская публика требовала совершенно новые формы искусства, лишь бы уйти от фальшивого идеализма, который диктовался годами во времена совка. В подобной атмосфере и сформировался проект Дубосарский-Виноградов, предложивший картины, написанные в том самом ненавистном публике стиле - соцреализме.
Идея состояла в том, чтобы оставить язык произведения, то есть художественный стиль, прежним, а тематику, в свою очередь, избрать актуальную. То есть, в отличие от других мастеров актуального искусства, беспрерывно воюющих со всеми, начиная со зрителя и заканчивая Богом, Дубосарский-Виноградов заняли позицию конформизма и полного приятия всего, что происходит в мире. Они продемонстрировали готовность обслуживать самый примитивный вкус, воплощать самые незатейливые фантазии, делать все очень красиво и предельно понятно. Они полностью отказались от своих творческих амбиций, стремления к уникальности, новаторских интенций и всего остального, что входит в характеристику с места работы актуального художника. Они полностью растворились в гипотетическом заказчике под вечным девизом «Чего изволите?».
В работах Дубосарского и Виноградова царила атмосфера “перебора”. Всего в картинах было как будто чересчур: слишком красиво, слишком сентиментально, слишком торжественно, даже вызывало чувство подступающей тошноты. Авторы доводили всё в своих произведениях до буквально кричащего абсурда.
При всём при том, тандем не пошел выставляться в коммерческие галереи, а продолжал работать на тех же площадках актуального искусства, что и раньше. То есть потребитель их искусства остался тот же, что и у искренних, радикальных нонконформистов.
Сейчас Дубосарский-Виноградов входят в пятерку самых известных российских художникових работы хранятся в Третьяковской галерее в Москве, Русском музее в Санкт-Петербурга, Центре Жоржа Помпиду в Париже и во многих других коллекциях.


Информация взята из источника: https://adindex.ru/publication/gallery/2011/07/22/69484.phtml

1980 Родился в Москве
2004 C отличием окончил Московский Государственный Академический институт (МГАХИ) им. В.И. Сурикова
2004–2005 Стипендиат Министерства Культуры РФ
2008 Награжден Золотой медалью Российской Академии Художеств за серию графических работ «Путешествие вокруг моей комнаты»
2013 Грант Президента РФ за лучший проект в области современного искусства
Кандидат искусствоведения, имеет научные публикации.

Такаси Мураками - современный японский художник, живописец, скульптор и дизайнер.
Он работает на размывание границ между элитарным искусством и коммерческим, подбрасывая публике то перекодированные на современный лад образы классической японской культуры, то безвкусные безделушки для сверхбогатых. Первые от вторых, впрочем, разучился отличать, кажется, и сам художник. Улыбчивые ромашки, миленькие глазастые черепушки и анимешные герои ужасающих размеров — воплощение nobrow-культуры, существующей вне отмершей иерархии, которую описал культуролог Джон Сибрук. Стилистически родственными Мураками называют Энди Уорхола, Деймиана Херста и Джеффа Кунса. Однако японский художник пошел дальше своих западных коллег по поп-арту: сотрудничество с лейблом Louis Vuitton сделало Мураками одним из главных апологетов идеи искусства как бренда, а создание корпорации KaiKai Kiki Co. с филиалами в крупнейших городах мира в корне изменило модель производства современного искусства.

Жоан Миро - выдающийся каталонский художник и скульптор, живший с 1893 по 1983. Творческо прекрасного испанского автора относят к абстракционизму, приписывая также сюрреалистические мотивы. За всю свою жизнь художник участвовал в многочисленных выставках по всему миру.  Рисунки и фрески Жоана Миро появлялись даже на стенах отеля Terrace Plaza в Цинциннати (1947), в Гарвардском университете (1949–1951) и в нью-йоркском здании ООН (1952-1953).


Получение художественного образования Миро начал в 1907 г. со Школы изящных искусств Ля Лонха, продолжив его в частной школе искусств Франсиско Гали. Результатом обучения стала первая выставка личных творений художника, состоявшаяся в 1917 г.

Художник увлекался многими течениями в европейском искусстве того времени, но всё же работал над созданием собственного уникального стиля. Таким образом, раннее творчество (1914−1923 гг.) Жоана Миро можно отнести к таким направлениям, как фовизм и кубизм.

В 1920 году Жоан Миро переехал из Барселоны в Париж, где он познакомился с Матиссом, Пакассо и многими другими известными художниками того времени. Позднее автор посещает Голландию, где знакомится с творчеством Вермеера, Ван Дейка и Хальса, чьи работы вдохновили Миро на создание серии картин «Голландские интерьеры». Присоединившись к сюрреалистам, он продолжает свои творческие поиски, вырабатывая всё более неординарный стиль.

Сюрреалистический этап в творчестве художника, как и формирование собственной, более абстрактной манеры, приходится на конец 20-х годов ХХ века. Основоположник поэтического сюрреализма, он стал создателем неповторимого художественного языка, преисполненного артистической экспрессией, нестандартными символами, образами, знаками, а главное — свободой самовыражения.

В 1936 году художнику пришлось покинуть Испанию из-за гражданской войны и наступления фашизма. Как и многие его коллеги, он находит приют во французской столице.

1938 год можно назвать переломным моментов в творчестве Жоана Миро. Беспокоясь о безопасности своей семьи в связи с растекающимся по Европе фашизмом, в 1939 г. живописец переезжает в деревеньку в Нормандии, где создает серию работ «Созвездия».

Картины, которые Жоан Миро объединил под этим названием, лишены бушующих во всем мире ненависти и насилия, они прекрасны и чисты. Именно они на выставке 1945 года обеспечили автору мировое признание. Следующий период жизни Миро посвящен множеству выставок, заказов, путешествий, что привело к ошеломительному успеху живописца.

В конце 60-х гг. Миро увлекается скульптурой, экспериментирует с объемом и материалами и создает небезынтересные произведения в собственной мастерской в г. Пальма, которую  получил в подарок от близкого друга-архитектора.



В 70-х гг. художник создаёт свой фонд Жоан Миро: "Нет, Фонд Миро - это не музей. Я не хотел бы, чтобы это было чем-то холодным, застывшим, метрвым. <...> Молодые художники придут сюда работать и выставлять свои произведения"

Павел Пепперштейн родился в мае 1966 года в Москве, в семье художника Виктора Пивоварова. "Пепперштейн", как псевдоним, Павел придумал себе еще в детстве, вдохновившись одним вымышленным полюбившемуся автору героем. Уже с ранних лет Павел взаимодействует с творческой средой, в которой находится его отец. И в 12-летнем возрасте художник рисует свою собственную историю вымышленного мирового государства, где господствуют порядки, установленные молодым живописцем.
Павла Пепперштейна всегда интересовал мир политики. Само по себе чувство того, что каждый день определенные люди, собирающиеся вместе, одним своим жестом, либо же указом, по сути, меняют и предопределяют ход истории. Так, у художника есть ряд творений с флагами, где символика власти предстаёт в непривычном для нас обличии: автор обращает наше внимание на атрибуты власти как на вместилище разнообразных орнаментов и цветовых решений, как на самостоятельно существующий бренд. Интерес Павла заключается в рассмотрении данных символов под разными углами, ведь в каждом человеческом уме они раскрываются совершенно с разных сторон.


Павел Пепперштейн участвует в разнообразных выставках как в России, так и за рубежом, активно выставляется и продается на мировых аукционах.

Родилась в 1989 году, в Краснодаре. Живет и работает в Москве. Закончила Московскую Школу Фотографии и Мультимедиа им. Родченко, курс Ирины Меглинской в 2011. В 2015, при поддержки фонда Fulbright получила магистерский диплом в области фотографии в Hunter College, New York. С 2010 по 2011 год была в художественной резиденции Fabrica the Benetton group communication research center, Тревизо, Италия. Фотографии представлены в галерее Russiantearoom в Париже, галерее Pop/Off/Art в Москве, а также некоторые снимки доступны в Aperture Foundation, New York.

Награды и премии

2017 — грант на производство фотокниги Empty Stretch;
США 2017 — участница международного портфолио-ревью Dusseldorf Photo Weekend; Дюссельдорф, Германия
2014 — участница международного портфолио-ревью FotoFest’s Meeting Place; Хьюстон, США
2013 по 2016 – лауреат образовательной программы фонда Fulbright; IIE, USA
2011 — участница международного портфолио-ревью Plat(t)form: The Forum for New European Photography, Fotomuseum Winterthur; Винтертур, Швейцария.
2011 — участница Международного Московского Портфолио-ревью, ЦСИ Гараж; Москва
2010 – резидент в Farbica the Benetton Group Communication Research Center, Тревизо, Италия

Анатолий Феликсович Осмоловский родился в 1969 году в Москве.
Анатолия Осмоловского справедливо называют «ведущим политическим художником России».
На протяжении последних двух десятилетий он известен как фигура, неоднократно способствовавшая повороту хода истории современного искусства России. На рубеже 1980 – 1990-х годов он перешел от поэтической практики и теоретического исследования кино и изобразительного искусства к перформансу, почти сразу завоевав признание на художественной сцене Москвы. Он активно участвует в деятельности группы «Министерство ПРО СССР» (1987-1990), «Э.Т.И.» (экспроприация территории искусства, 1990-1992), «Нецезиудик» (1992-1994), инициирует создание группы «Радек», является главным редактором одноименного журнала. Будучи одним из основателей движения «московского акционизма» в 90-х, на рубеже веков Осмоловский способствует появлению нонспектакулярного искусства, а несколько лет спустя декларирует возврат к «произведению искусства» и исследованию его формальных основ и содержательных структур. Логика такой эволюции тесно связана с политическими установками художника.
Сегодня он выступает в качестве социального активиста и создателя института современного искусства «База», куратора и теоретика, издателя и продюсера, разрабатывая при этом новые, подлинно сегодняшние формы искусства. Осмоловский – участник ряда престижных международных выставок, таких как: 4-я Стамбульская Биеннале (1992), Aperto’93 (45-я Венецианская Биеннале), а также 54- и 55-ой Венецианских Биеннале, 25-я Биеннале в Сан Пауло (2002), Documenta XII (2007, Кассель, Германия), множества музейных выставок и форумов. — стипендиат Сената г. Берлина и Kunstlerhaus Bethanien (1995), лауреат Премии Кандинского в номинации «Художник года» (2007).
Живет и работает в Москве.